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Idea y conducción: Luis Franc.
Editorial: “El cine argentino, ventana abierta al mundo”.
Invitados: Adrian Muoyo (@adrianmuoyo) - Periodista, director de la Biblioteca y Centro de Documentación y Archivo del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), donde se desempeña hace treinta años. Redactor en "Hacerse la crítica", integrante de la red Bibliotecas Iberoamericanas de Cine (BIBLIOCI) y miembro de la Academia Porteña del Lunfardo -. También contamos con la palabra de Orlando Pulvirenti - del 2010 al 2015 Gerente de Asuntos Jurídicos del INCAA, entre cuyas tareas se cuenta la creación de INCAA TV, la adquisición del Cine Gaumont y la creación de un régimen de salas INCAA en todo el país, desde el asesoramiento jurídico, administrativo y de diagramación. Representante del Organismo en causas administrativas y judiciales -.
Temas desarrollados con Muoyo. La función del Instituto de Cine. Un sostén de la cinematografía local. La Ley de cine, promulgada en los noventa. La Argentina como historia cíclica. Los relatos ocultos del país y la necesidad de ser contados en cine. Los comités rotativos de aprobación de proyectos del INCAA. Comité de documentales. La ocupación del Instituto en ampliar el mercado cinematográfico. El sector audiovisual representa el 5,2% de la economía argentina. La patria financiera como enemigo central del Instituto de Cine. Especulación financiera vs. trabajo genuino. Técnicos cinematográficos argentinos formados en el INCAA y demandados en el exterior. Las plataformas (Netflix, Amazon, Disney) como mito de reemplazo. Cómo se financia el INCAA. El fondo de fomento cinematográfico. El gravamen a cada medio de exhibición. El INCAA se autofinancia y no toca ningún otro recurso. Ventana Sur y el Festival Internacional de Cine de Mar Del Plata. El INCAA, aportante del Estado. La pérdida de autarquía del Instituto en los noventa.
En cuanto a los aspectos legales, Pulvirenti se refirió al lobby del sector financiero en contra del desarrollo de la industria. Luego contextualizó históricamente sobre el origen de la implementación del Fondo de Fomento, previo al surgimiento del Instituto. El INCAA como “ente público no estatal”, definido así desde la crisis del 2001 a modo de que el Estado no pueda tocar sus fondos. El cine no es gasto, es inversión: aporta al Estado. La industria audiovisual argentina es muy competitiva. El caso Callao. La necesidad de regulación de las plataformas. El concepto de videograma para entender por qué deben tributar. El rol de la Ley de Servicios de Comunicación Audiovisual, en relación a la cuota de pantalla. La contienda con la invasión norteamericana en nuestras pantallas.1 week, 1 day ago por LuisFrancCine - 29 plays
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Idea y conducción: Luis Franc.
En esta emisión nos dedicamos a pensar los cuerpos de la actuación a partir de la metodología actoral de Alberto Ure – de los más grandes directores teatrales de Argentina – en una charla con quien fuese su principal compañera de proyectos, y quien hoy día toma y piensa contemporáneamente su legado. Se trata de Cristina Banegas (www.cristinabanegas.com.ar) - actriz, directora, docente teatral de extensa trayectoria. Lleva adelante hace 37 años el espacio teatral y cultural “El excéntrico de la 18” (@elexcentricodela18). Se destacan especialmente sus actuaciones bajo la dirección de Ure de “Puesta en claro” de Griselda Gambaro, “El padre” de August Strindberg, “Antígona” de Sófocles y “Los invertidos” de José Gonzalez Castillo; más allá de su extensa trayectoria teatral bajo la dirección de Inda Ledesma, Iris Sachieri y Pompeyo Audivert entre otros. Entre sus trabajos como directora se cuentan “La Persistencia”, de Gambaro; “La Familia Argentina”, de Ure;” La Señorita Julia”, de Strindberg;” Barranca abajo”, de Florencio Sánchez y “Edipo Rey” de Sófocles -. Durante la charla comenzamos recordando al primer grupo cooperativo de Ure/Banegas, el “Comando Cultural Cartonero Báez”, punta de lanza para lo que terminó siendo “El excéntrico…”. También pensamos al aire el tema de la identificación como búsqueda anómala por parte de sectores del público. Luego pasamos a la técnica actoral de Ure y a la compilación de textos de su autoría “Sacate la careta” (completo aquí: https://www.bn.gov.ar/micrositios/libros/ensayo-ciencia-humanidades/sacate-la-careta), la experiencia de los ensayos públicos de “Puesta en claro”, las críticas reaccionarias que Ure recibía por parte de sectores de la prensa, la última compilación de diálogos con él, “Asaltar un banco”; también sobre como los momentos del país condicionan las metodologías teatrales, la persecución que Ure padeció en la dictadura, la propuesta formal de “El padre” y los efectos en los espectadores.
Durante el segundo tramo se refirió a su obra teatral para niños, “El país de las brujas” y su publicación y posterior repercusión. Luego, pasando al vínculo con lo popular, tocamos el tema de la única telenovela dirigida por Ure, “Bárbara Narvaez” y al gran trabajo que en “Los invertidos” hizo Antonio Grimau, ganando todos los premios que se entregaban ese año. De ahí llegamos a la idea de “campo de ensayo” de Ure, como idea de concepción de una obra. De ahí pasamos a su legado en la versión de “La señorita Julia” de Banegas y la forma actoral de Belén Blanco. En sus vínculos con el cine, recordamos la mención de Ure al cine de Rainer Werner Fassbinder, en relación a su técnica y concepción de los cuerpos en escena. Luego pasamos por aspectos de la puesta de Ure sobre “El padre” y el trabajo de Banegas con Pompeyo Audivert “La señora Macbeth”. Los últimos minutos los dedicamos a los talleres y actividades de “El excéntrico…”.2 months, 3 weeks ago por LuisFrancCine - 41 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Darío Steimberg.
Editorial: "Del dominio del mundo a la pregunta por las imágenes"
Tema del día: Fílmico y digital. Pasajes, tensiones, integraciones. Formas de recepción.
Piensa el tema con nosotros el investigador y archivista Hayrabet Alacahan.
Charlamos con el cineasta experimental y periodista Paulo Pécora, quien aporta su experiencia y su vínculo con los formatos.2 years, 1 month ago por LuisFrancCine - 66 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “La mirada a través del tiempo”.
Tema del día: El espectador desde los comienzos del cine hasta el presente. Del tiempo de las creencias al quiebre en la Segunda Guerra Mundial. Los tiempos presentes del espectador y la relación con la digitalización y los nuevos dispositivos. Del espectador al crítico. Edades de la crítica de cine y la tarea del crítico de hoy.
En esta ocasión invitamos a Eduardo Russo – teórico, docente, crítico, Director del Doctorado en Artes de la Universidad de La Plata, director de la `publicación “Arkadin”, autor de uno de los diccionarios de cine locales más consultados y habitual traductor y prologuista de las ediciones argentinas de los textos del cineasta y teórico Jean Louis Comolli – y Roger Koza (@ojosabiertos1968) - crítico, docente, director de la publicación virtual “Con los ojos abiertos” (http://www.conlosojosabiertos.com/), creador y conductor del espacio radial “La oreja de Bresson” (Radio Universidad – AM 580) y del programa televisivo “El cinematógrafo” (Canal 10 de la Universidad de Córdoba), director artístico del Festival de Cine de Cosquin y del Doc Buenos Aires - .
La dinámica en esta oportunidad se planteó con ambos invitados juntos, abriendo el juego Russo con reflexiones sobre el último texto de Comolli: “El fin de la ilusión. Paradigmas, transformaciones y tensiones en la construcción del espectador audiovisual” (Ediciones UNGS), donde plantea las diferentes edades del espectador de cine, desde los comienzos hasta la conformación de la creencia en el mundo a través de la pantalla, luego el momento en que dicha creencia se rompe, hasta los tiempos actuales con la digitalización y las nuevas tecnologías que suscitan nuevos vínculos con las imágenes y usos de los dispositivos.
A continuación, establecimos un puente para que Koza despliegue su pensamiento sobre el tema conectando la figura del espectador y el crítico, con eje en su texto sobre lo que considera que son hoy las tres formas actuales de la crítica cinematográfica: “Breves apuntes sobre una física de la crítica” (http://www.conlosojosabiertos.com/breves-apuntes-sobre-una-fisica-de-la-critica/). Finalmente, reflexionó sobre la necesidad de tender un puente crítico entre las culturas, experiencias e impresiones de los siglos veinte y veintiuno.
Ambos invitados se dedicaron todo el programa a establecer los vasos comunicantes entre las problemáticas del espectador y la crítica.1 year, 6 months ago por LuisFrancCine - 67 plays
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Editorial: “Pensamiento y cine, en ese orden”
Tema del día: Usos y abusos de la filosofía y el psicoanálisis para el análisis cinematográfico. El abordaje de Gilles Deleuze. Las fuentes de su filosofía. Los procesos de percepción en el cine, que se fueron perdiendo. ¿Qué es una imagen? El aporte del psicoanálisis tomando aspectos que desbordan los límites del yo, en oposición al psicoanálisis aplicado. Deleuze como moda.
En el comienzo y cierre del programa contamos con la palabra de Ricardo Parodi (@ricardoparodi02) – fundador y coordinador del “Centro de Teoría de la Imagen”, de los principales teóricos argentinos, con amplia experiencia curatorial y docente y vasta producción académica sobre filosofía del cine, especialmente centrada en el pensamiento de Gilles Deleuze -. El mismo planteó la diferencia entre “filosofía y cine” y filosofía “del” cine, reflexionando sobre el cine como “productor de filosofía” en oposición a los usos institucionales de la filosofía; además de explayarse sobre como los procesos perceptivos en el cine se han ido perdiendo, y el cine narrativizándose e institucionalizándose cada vez más. También hizo mención a modos de percepción contemporáneos donde sobreviene aún la búsqueda de una imagen; en tal sentido citó como ejemplo a cineastas mujeres como Kira Muratova o Jutta Bruckner. Luego brindó un panorama sobre el estado actual del cine argentino para finalmente mencionar a Spinoza, Hume, Nietszche, Bergson y Marx como fuentes de la filosofía deleuziana.
También contamos con la palabra de Olga Pilnik (@juliagrink) – psicoanalista, docente, supervisora clínica en diversas instituciones, con trayectoria en publicaciones del medio como “Letrafonía” donde publicó trabajos como “Montaje cinematográfico y angustia” y “El problema del tiempo en la representación cinematográfica”; autora de dos libros de cuentos: “Los días de noche” y “El vestido de arpillera” (bajo el seudónimo de Julia Grink) -. Se refirió a las relaciones entre cine y psicoanálisis y del cine como productor de pensamiento, planteando la diferencia entre pensar al cine desde una óptica psicoanalítica tomando aspectos que desbordan los límites del yo, fuera de los componentes narrativos de una película; y abordar una película para “psicologizarla” poniendo la teoría para “aplicarla al cine” (psicoanálisis aplicado). También destacó el valor del concepto de “opsigno” de Deleuze, como apertura al pensamiento.1 year, 7 months ago por LuisFrancCine - 122 plays
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Entrevista a Stella Calloni, periodista y escritora. Especializada en política internacional y a Fernando Esteche, Doctor en Comunicación Social, periodista y profesor universitario
1 year, 10 months ago por LarryLevy - 417 plays
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Idea y conducción: Luis Franc.
Editorial: “Un tumor se expande”.
Invitado: Rocco Carbone (@roccocarboneok). Filósofo italiano, naturalizado argentino. Vive en Buenos Aires. Su área específica es la filosofía de la cultura, las lógicas del discurso y los procesos culturales y políticos del mundo, especialmente de Latinoamérica. Estudió en la “Università degli Studi della Calabria” con argentinos exiliados. Doctor en Filosofía por la Universidad de Zúrich. Investigador del CONICET. Trabajó junto a David Viñas en la Universidad de Buenos Aires (UBA). Escribe en el medio digital “El cohete a la luna” sobre la mafia enquistada en la vida política argentina; específicamente en la teoría del Estado del gobierno de la Alianza Cambiemos. Se pueden leer sus textos aquí: https://www.elcohetealaluna.com/author/rocco-carbone/.Entre su vasta obra se cuenta: “Mafia argentina. Radiografía política del poder” (Ediciones Luxemburg/CEFMA, Buenos Aires, 2021); “Serafina Dávalos. Feminista” (Ediciones UNGS, Los Polvorines, 2020); “Mafia capital. Cambiemos: las lógicas ocultas del poder” (Ediciones Luxemburg/CEFMA, Buenos Aires, 2019); responsable de las compilaciones “Museo de las Lenguas de la Eterna” (Universidad Nacional de General Sarmiento/Biblioteca Nacional/Museo del Libro y de la Lengua, Los Polvorines/Buenos Aires. 2012) y “La sonrisa de mamá es como la de Perón: Capusotto, realidad política y cultura” (del autor y Matias Muraca - del Imago Mundi/Universidad Nacional de General Sarmiento, Buenos Aires/Los Polvorines. 2010)
Temas desarrollados: Definición de mafia. Cuando la mafia se apodera del aparato estatal. El caso argentino. La mafia como poder invisible. Reconstrucciones ficcionales. El sur de Italia como paradigma. Los casos de Estados Unidos, China y Rusia. “Los monos” en la ciudad de Rosario. Negocios ilegales de la mafia: trafico de estupefacientes, de personas, contrabando de armas de guerra. Negocios legales: bares, restaurantes, recolección de basura, construcción de autopistas, peajes, compañías de aviones low cost, energías renovables. Acumulación de poder y colonización de los estados como objetivo central. El experimento de la alianza Cambiemos durante el período 2015-2019. La década del treinta como recurrencia. Las mafias como antiguas formas culturales, elaboradoras de mitos y lenguajes propios. Las canciones de la mafia. La mafia como narrativa. Aportes y reduccionismos en “El padrino”. Disputas de poder entre organizaciones. La mafia calabresa. La Cosa Nostra. De la violencia continua a la violencia necesaria.
Autores, películas y series mencionadas: Pier Paolo Pasolini, “El padrino” (Francis Ford Coppola, 1972), “La joya de Shangai (Zhang Shimou, 1995), “La maffia” (Leopoldo Torre Nilsson, 1973), “La mala vida” (Hugo Fregonese, 1973), “Gomorra” (Mateo Garrone, 2008), “Peaky Blinders” (serie) (2013-2022), “Breaking bad” (2008-2013) y “Better Call Saul” (2015-2022) (series de Vince Guilligan).7 months ago por LuisFrancCine - 47 plays
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Idea y conducción: Luis Franc.
Editorial: “Del mundo a la imagen, de la imagen al montaje”.
En esta emisión pensamos el montaje compartiendo la experiencia de dos realizadorxs: Martin Farina (@martinignaciofarina), que aportó sobre sus roles integrados de director y montajista; y Lucía Torres Minoldo (@lucia.azulm) que sobre todo se refirió a su rol de montajista, con mención a trabajos como directora.
Temas desarrollados: A días del estreno de “Los convencidos” (Farina), reflexionamos sobre el pensamiento sobre las imágenes durante la concepción del material, la escritura como proceso, la incertidumbre sobre qué se está filmando, la “vitalidad” del material, el saber qué se tiene y a qué hay que renunciar, qué hacer frente a un plano, el trabajo diferenciado entre ficción y documental, el vínculo entre montajista y director, la consultoría de montaje, el evidenciar o no el corte, la idea “justa” de la temporalidad que se transmite al espectador, el trabajo con la propuesta de los cuerpos, la interacción con el material como método de prueba y error, el tiempo que cada material merece y los problemas del cine contemporáneo ante la presión de tiempos de entrega. Sobre el cierre, Farina nos aproximó al planteo de “Los convencidos”.
- Martín Farina (Buenos Aires, Argentina): Realizador, montajista, camarógrafo. En 2010 funda la productora Cine Milagroso (www.cinemilagroso.com.ar). Películas como director: Los largometrajes “Los convencidos” (2023) (), “El náufrago” (2022) (), “El fulgor” (2021) (), “Los niños de Dios” (2020) (), “Mujer nómade” (2018), “El lugar de la desaparición” (2018) (), “Cuentos de chacales” (2017) (), “El prof3ss1on4l” (2016), “El hombre de paso piedra” (2015) (), “Fullboy” (2014) (), “La generación de las maestras” (2007); los cortometrajes “El brazo del whatsapp” (2019) () y “El liberado” (2018).
() Y montajista.
- Lucía Torres Minoldo (Córdoba, Argentina): (www.diasdemontaje.com.ar). Realizadora, montajista, integrante de la productora “Cine El Calefón” (2006-2016). Codirectora del documental “Buen Pastor, una fuga de mujeres” (2010) y del cortometraje “La piel dulce” (2022). Dirigió el cortometraje “Nubes de febrero” (2018). Desde el 2011 se dedica al montaje de ficciones y documentales como “La calma”, “Las motitos” (Inés María Barrionuevo y Gabriela Vidal, 2020), “El árbol negro” (Máximo Ciambella y Damián Coluccio, 2018), “Nosotras/Ellas” (Julia Pesce, 2015), “Instrucciones para flotar un muerto” (Nadir Medina, 2018) y “Primero enero” (Darío Mascambroni, 2016. Realizó las consultorías de montaje de “El fulgor” y “Los niños de Dios” (ambas de Martín Farina) y “Casa Propia” (Rosendo Ruiz, 2018), entre otras.
Textos de Luis Franc sobre el cine de Martín Farina: “Mujer nómade” (https://hacerselacritica.com/deconstruccion-de-una-mujer-por-luis-franc/) y “El fulgor” (http://hacerselacritica.com/el-otro-lado-de-la-tradicion-el-fulgor-por-luis-franc/)4 months, 3 weeks ago por LuisFrancCine - 56 plays
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Entrevista a Eduardo Vior, doctor en Ciencias Sociales y en Sociología. Periodista especializado en política internacional.
Entrevista a Jorge Kreyness, Analista político y Sec. de Relaciones Internacionales del Partido Comunista Argentino.
EDITORIAL DE LARRY LEVY
Estoy convencido de que las generalizaciones suelen ser expresiones vacías, inciertas y en muchos casos injustas para los destinatarios de esa opinión amplificada y ligera. Sin embargo, me voy a permitir una licencia que... hasta podría descalificar mi propia opinión, pero me juego y la digo: a los argentinos nos interesan muy poco las noticias internacionales. Me incluyo para zafar de la soberbia semejante afirmación… y sé, de todos modos, que estoy exagerando. Sin embargo, el nivel de análisis periodístico y el poco interés que despiertan las noticias internacionales, dan cierta veracidad a esta afirmación. Que la situación no es casual, también es cierto.
Si comparamos la cantidad de noticias internacionales y la abundancia de análisis periodísticos serios en la prensa de otros países… la diferencia es abrumadora. Basta hojear los diarios o mirar los noticieros de televisión.
Desde el final de la Segunda Guerra Mundial se percibe con facilidad, que un estornudo en Europa puede ser una gripe en América, y que si hay fiebre en Oriente, la infección podría estar en Australia y así es la interacción política, bélica, económica, ambiental y un sinfín etcéteras.
Así se fue tallando y dando forma a la opinión pública internacional y con esta particularidad de la Argentina, donde el interés siempre fue escaso.
Pero con el avance de la tecnología... las comuncaciones acortaron la trayectoria de las palabras y... las consecuencias de los hechos que suceden en un extremo del mundo se sienten... casi al instante... del otro lado del planeta.
No vamos ni a resolver los problemas urgentes del mundo, y tampoco sabremos cómo solucionarlos, pero intentaremos, con nuestros invitados, conocerlos y quizás interesarnos en profundizar nuestra mirada en la geopolítica.11 months, 2 weeks ago por LarryLevy - 11 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Cuerpos de la actuación”.
Tema del día: El terreno de la actuación como diversidad de estilos. Técnicas actorales. El actor como cuerpo que acciona. ¿Existe un modo de actuación argentino?
En el primer tramo del programa entrevistamos a Raúl Serrano (@maestro_raul_serrano) –maestro y referente histórico de varias generaciones de actores, autor de múltiples textos académicos sobre pedagogía teatral (como “Nuevas tesis sobre Stanislavski – Fundamentos para una teoría pedagógica” y “¿Se puede enseñar a crear? – Contexto, análisis, propuesta”) y director desde 1981 de la ETBA (Escuela de Teatro de Buenos Aires). Raúl nos hizo partícipes no solo de su metodología sino de la dimensión ética en la que la misma se apoya, estableciendo parámetros básicos como el hecho de que todo se produce en el marco de la escena, contrariamente a las búsquedas de la emoción a priori. Sobre el final de la charla reflexionó la forma de actuación argentina por excelencia, el grotesco.
Luego contamos con la palabra del director Gustavo Fontán (@ellimoneroreal_pelicula) – “La orilla que se abisma”, “El limonero real”, “La deuda” y “El piso del viento” (codirigida con Gloria Peirano), entre otras – quien compartió su forma de trabajo con los actores. Sec refirió al posicionamiento del cuerpo del actor en el plano, lo visible y lo invisible de la actuación y la armonización de las diferentes propuestas actorales en una misma obra.
Durante el segundo tramo charlamos con Carlos Belloso (@bellosoactor) – actor de teatro (ex integrante del dúo “Los melli”, junto a Damian Dreizik y creador de un vasto mundo de personajes en espectáculos de su autoría como “Para, fanático” y “Dr. Peuser”, además de trabajar con variados directores), cine (“Felicidades” de Lucho Bender, “La niña santa” de Lucrecia Martel, entre otras) y televisión, lo que le valió el reconocimiento popular mas extendido. Nos compartió principalmente su método de actuación, quien es su actor de referencia y la forma de trabajo con Lucrecia Martel.1 year, 7 months ago por LuisFrancCine - 91 plays
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Idea y conducción: Luis Franc.
Editorial: “La torre de Babel del cine argentino”
Tema del día: Formas a través del tiempo en el habla del cine argentino. La tradición y sus quiebres. Relación con las formas actorales. La palabra autorizada. Formas regionales. Ciudad, ciudades, periferias.
Aprovechamos en esta ocasión la reciente publicación del libro “El cine como eco. Vaivenes de la lengua en el cine argentino” (coedición entre la Biblioteca ENERC INCAA y Ediciones CICCUS) de Fernando Varea - Licenciado en Comunicación Social (Universidad Nacional de Rosario), periodista e investigador especializado en medios audiovisuales, docente, colaborador en medios gráficos y programas radiales, programador de ciclos de cine, autor de “El cine argentino durante la dictadura militar 1976/1983” (Editorial Municipal de Rosario, 2006) y otras publicaciones, autor-editor del blog Espacio Cine (https://espaciocine.wordpress.com/) – a quien invitamos a exponer los tópicos centrales de su recorrido en el texto. De este modo, pasamos por las palabras que sobreviven o no al paso del tiempo en el cine argentino, los diferentes modismos y dialectos, la escasez de lo regional, el rol central de la generación del ochenta en la tradición de la lengua, las “palabras autorizadas”, los problemas que se plantean en las periferias que surgen en “Tire die” de Fernando Birri, el reemplazo de la idea de “evolución” de la lengua por “sacudidas”, el uso del lenguaje en “Pizza, birra, faso” en oposición a la tradición, el advenimiento del tango en el cine con la llegada del sonoro, el rol central de la radio y los radioteatros, los usos del lunfardo que aún se mantienen hasta hoy, el lenguaje en Leonardo Favio, el concepto de “actor popular” de Osvaldo Pelletieri en los personajes de Nini Marshall, la intersección de voces en “La ciénaga” de Lucrecia Martel, los usos de la política, la mención ambigua a Perón en “Los jóvenes viejos” de Rodolfo Kuhn y el tono crítico del Nuevo Cine Argentino de los sesenta.
Autores y películas que se mencionaron: “Nobleza gaucha” (Humberto Cairo, Ernesto Gunche, Eduardo Martínez de la Pera, 1915), “La guerra gaucha (Lucas Demare, 1942), “Tire die” (Fernando Birri, 1960), César González, “Pizza, birra, faso” (Adrián Caetano, Bruno Stagnaro, 1998), Pepe Arias, Carlos Gardel, “Así cantaba Carlos Gardel” (Eduardo Moreira, 1935), “El dependiente” (Leonardo Favio, 1969), “Se nos fue redepente” (espectáculo teatral de Nini Marshall comenzado a escribir en los años 40, y estrenado en 1973), “La ciénaga” (Lucrecia Martel, 2001), “Los jóvenes viejos” (Rodolfo Kuhn, 1962).10 months, 2 weeks ago por LuisFrancCine - 33 plays
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Idea y conducción: Luis Franc.
Editorial: “Del mito al tópico; del tópico a los géneros”.
Invitado: Eduardo Russo. Doctor en Psicología Social. Dirige el Doctorado en Artes de la Facultad de Bellas Artes, Universidad Nacional de La Plata. Profesor de “Teorías del Audiovisual” y de “Análisis y Crítica”. Autor de “Diccionario de Cine” (Paidós, 1998) y “El cine clásico: itinerario, variaciones y replanteos de una idea” (Manantial, 2008). Compilador y autor de “Interrogaciones sobre Hitchcock” (Simurg, 2001), “Cine Ojo: un punto de vista en el territorio de lo real” (2007), “Hacer Cine: Producción Audiovisual en América Latina” (Paidós, 2008). Dirige la publicación académica “Arkadin. Estudios sobre Cine y Artes Audiovisuales”.
Temas desarrollados: Diferencias entre tópico y cliché. El aporte de Gilles Deleuze; su mirada sobre el siglo veinte,“el siglo del cliché”. Mutación hacia el audiovisual contemporáneo. La sociedad de redes del siglo veintiuno. Las miradas crepusculares sobre lo cinematográfico. Desplazamiento del centro. La comedia como género que piensa los géneros y subvierte sus propias reglas. Licencias de la comedia en el tratamiento de los roles sexuales: lo queer. Tópicos en las vanguardias cinematográficas. El humor en Franz Kafka. La identificación como dificultad para el humor. La figura del antihéroe en los 60/70. De lo crepuscular a lo apocalíptico. La deconstrucción por la deconstrucción misma, como apuesta contemporánea. Estructura de las series. Casos de borde. Estructura de las soap ópera (telenovelas norteamericanas). Identificación con el villano. Estrategias narrativas de las producciones de “El Pampero Cine”. Nuevas formas identificatorias. Incorporación de las nuevas plataformas.
Autores, películas y series mencionadas: Howard Hawks, Luis Buñuel, “Alicia en las ciudades” (Wim Wenders, 1974), “Blow up” (Michelángelo Antonioni, 1966), “La caracola y el clérigo” (Germaine Dulac, 1928), “Funny games” (Michael Haneke, 1997), “Crímenes del futuro” (David Cronenberg, 2022), “Saló. Los 120 días de Sodoma” (Pier Paolo Pasolini, 1975), “Cowboy de medianoche” (John Schlesinger, 1969), “¿Qué pasó con Baby Jane?” (Robert Aldrich, 1962), “La última película” (Peter Bogdanovich, 1971), “Ciudad dorada” (John Huston, 1972), “¿Quién golpea a mi puerta?” (1967) y “Taxi driver”(1976) - ambas de Martin Scorsesse -, “Breaking bad” (2008-2013) y “Better Call Saul” (2015-2022) (series de Vince Guilligan), “El camino” (Guilligan, 2019), “Roma” (Alfonso Cuaron, 2018), “Mulholland drive” (2001) y “Twin peaks, el retorno” (serie, 2017) - ambas de David Lynch -, “Dallas” (1978-2014) -serie de David Jacobs-, “Falcon Crest” (1981-1990) -serie de Earl Hamner-, “La flor” (Mariano Llinas, 2018), “Argentina, 1985” (Santiago Mitre, 2022), “División Palermo” (2023) – serie de Santiago Korovsky -.6 months, 3 weeks ago por LuisFrancCine - 50 plays
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Idea y conducción: Luis Franc.
Editorial: “Hegemonías, vanguardias, nuevas formas”.
Invitada: Agustina Soler (@anteojitosoler). Licenciada en Dirección Escénica y Profesora en Artes del Teatro en la Universidad Nacional de las Artes (U.N.A). Estrenó “Medeamaterial” de Heiner Müller; “Las Buenas Muertes o paupérrimo desenlace mortal de las lituanas” de Gabriel Calderón"; “Abran cancha que aquí viene Don Quijote de la Mancha” de Adela Basch con funciones en teatros de C.A.B.A y Provincia de Buenos Aires; “Foràneo” de Iñaki Aragón”. Participó del espectáculo “M.S.U.” (Movimientos sin utilidad) de Román Podolsky en el Celcit, con funciones en galerías de arte. Ayudante de Cátedra de "Dirección escénica IV - Cat. Román Podolsky" (U.N.A.). Coordinadora del "Taller de iniciación a la dirección teatral". Dicta actualmente el taller a distancia “Montaje teatral. Poéticas en la puesta en escena. Stanislavski, Brecht, Kantor” en @curcuma.teatro
Temas desarrollados: El programa se centró durante los primeros minutos en las diferencias entre los dos modos de puesta en escena y actuación hegemónicas de Constantin Stanislavski: memoria emotiva y acciones físicas. Strasberg y el uso de las emociones en el denominado Método del Actors Studio en Estados Unidos. Diferencias entre el uso de las acciones físicas Raúl Serrano y Grotowski. Realismo y romanticismo. El texto como base del realismo. Hollywood y su método cognitivo, exportado al mundo. ¿Cómo salir del realismo? Gilles Deleuze, los perceptos y los afectos. Mitos en torno a Brecht. “Brecht es menos didáctico que el realismo”. La interpelación al público por medio del método brechtiano. Emancipación de la puesta /emancipación del espectador. Catarsis versus comprensión. Hamlet como ejemplo de posibilidades múltiples. La dimensión política de la puesta en escena. Su texto: “Escritos sobre teatro”. Dificultades para un teatro político en la posmodernidad. Usos alternativos del texto. Las didascalias como texto de la obra. Brecht como autor previo a la guerra y Kantor como posterior. Kantor y el surrealismo. Como se cuela lo mental. El modelo de actor como objeto. Utilización de maniquíes. Kantor y el actor amateur. Su texto: “El teatro de la muerte”. Su obra: "Wielopole, Wielopole". Un teatro posdramático. Problemas de la tradición.
Autores/directores teatrales mencionados: Constantin Stanislavski, Bertoldt Brecht, Tadeusz Kantor, Sara Bernhardt, Raúl Serrano, Jerzy Grotowski, Heiner Muller (“Maquina Hamlet, 1977), , Ana Alvarado, Guillermo Cacace.
Directores de cine mencionados: Quentin Tarantino (“Bastardos sin gloria”, 2009), Robert Bresson, Martin Scorsesse (”Taxi driver”, 1976), “Lars von Trier (“Dogville, 2003), Ingmar Begman (“Un verano con Mónica”, 1953), Edwin Porter (“Asalto y robo de un tren”, 1903), Jean Luc Godard (“Dos o tres cosas que yo sé de ella”, 1967), Andrzjev Zulawski, David Lynch, John Cassavetes.
Músicos mencionados: Heiner Goebbels.5 months, 3 weeks ago por LuisFrancCine - 28 plays
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Entrevista Herman Schiller, periodista fundador del Movimiento Judío por los Derechos Humanos y del periódico Nueva Presencia. Conductor del programa radial "Leña al fuego"
Entrevista al sociólogo Patricio Brodsky, especialista en Genocidio, profesor universitario, periodista y escritor.1 year, 9 months ago por LarryLevy - 13 plays
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Entrevista a Damián Setton, Licenciado en Sociología, doctor en Ciencias Sociales. Investigador del CONICET en Sociedad, cultura y religión.
Entrevista a Marcos Carbonelli, Licenciado en Ciencia Política, doctor en Ciencias Sociales. Investigador del CONICET en Sociedad, cultura y religión.
EDITORIAL DE LARRY LEVY
A lo largo de la historia de las organizaciones sociales, la fe y la política siempre estuvieron entrelazadas. A veces con mayor tensión, otras... en una relación menos conflictiva, pero siempre presentes. Parece inherente al ser humano la presencia de un pensamiento que resuelva aquello que no podemos explicar.
Pero no es esa reflexión insoluble el problema, sino la conformación de un argumento existencial y moral, guionado y masificado, que pretende remplazar las lógicas que explican las relaciones de una organización social y desde ya, políticas de una sociedad.
Es decir, es la relación entre la religión institucionalizada y la política la que entra en tensión en el debate social. Me refiero a la religión como cosmovisión moralizante y disciplinadora, que regula todos los aspectos de la vida en sociedad. En muchas sociedades, especialmente en oriente, la relación entre religión y política tiene un protagonismo central. Es allí donde las fronteras entre los escalafones políticos y los escalafones religiosos quedan desdibujadas, se borran.
Hoy en occidente, vuelve a verse algo que parecía en desuso y que había quedado descartado de las propuestas políticas. Me refiero al pensamiento dogmático y a la imposición de conceptos “irrefutables” que hoy utilizan como argumento las derechas políticas… y que vuelven a usar la organización formal e institucional de las creencias, como soporte de sus objetivos políticos.
América Latina y en especial Brasil y Argentina son ejemplos puntuales del avance de las iglesias “alternativas”, convertidas en militantes políticas y con líderes devenidos en exégetas bíblicos muy interesados en problemas terrenales. Seguramente no exista una única causa a este fenómeno… y se lo preguntaremos a nuestros invitados de hoy.11 months, 3 weeks ago por LarryLevy - 19 plays
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La cantautora, compositora y ex ministra de cultura, Teresa Parodi reflexionó sobre la desigualdad y la discriminación dentro de los movimientos culturales nacionales y la importancia del rol del estado para impulsar a artistas que el mercado mundial desconoce. “Vamos a terminar hablando una sola lengua, cantando una sola música, leyendo un solo libro”, detalló.
2 years, 11 months ago por Lula.Coccia - 62 plays
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Idea y conducción: Luis Franc.
Editorial: “La ciencia, a favor y en contra de la raza humana”.
Tema del día: Lo científico tomado por la literatura. De la literatura al cine. Integración de la ciencia ficción con otras estructuras. Distopías. Reformulación del género en el tiempo. Las guerras mundiales como bisagra.
Conversamos con Matías Carnevale (Facebook: “Nostromo, club de ciencia-ficción”) - Licenciado en Lengua Inglesa (UNSAM). Periodista cultural, autor de reseñas, entrevistas y artículos en Infobae, Ñ, La Voz del Interior y Le Monde Diplomatique Cono Sur. Autor de “En la tierra como en el cielo, cine estadounidense de ciencia ficción, 1970-1989” (2019). Coordinador de la publicación de ensayos “Ray Bradbury, el hombre centenario” (2020), “Exploraciones. Ensayos en torno a Pablo Capanna (Ediciones de la UNQUI) y “Pull my Daisy y otras experimentaciones: La generación beat y el cine” (Alción Editora) (2022) – quien se encargó de pensar con nosotros el vínculo temporal del surgimiento de la ciencia-ficción con el del cine durante el siglo XIX, la diferencias de las historias de ciencia-ficción ente aquel siglo con el siglo XX, la bisagra de las guerras mundiales y la bomba atómica, la idea de progreso indefinido, las historias en donde el género se ubica a favor de la raza humana y las que se inclina a su destrucción, la influencia del surrealismo en el género, los usos negativos del término “ciencia¬-ficción”, el rol de la posmodernidad, la relación con otros géneros como el terror, la idea de la conspiración como eje en algunos relatos, o de la manipulación por medio de la televisión, la mutación del rol de los superhéroes en el tiempo, Superman y el mito.
Películas y directores de cine citados: “Viaje a la luna” (Georges Melies, 1902), “Alien” (Ridley Scott, 1979), “Brazil” (Terry Gilliam, 1985), “2001: A Space Odyssey” (Stanley Kubrick, 1968), “E.T. El Extraterrestre” (Steven Spielberg, 1982), “V - Invasión Extraterrestre” (Kenneth Johnson, 1983) (serie), “Capricornio Uno” (Peter Hyams, 1977), “Videodome” (David Cronenberg, 1983), “Hallowen 3. Temporada de la bruja” (Tommy Lee Wallace, 1982), ”La sustancia maldita” (Larry Cohen, 1982), “Terminator” (James Cameron, 1984), “Twin Peaks - Tercera temporada (serie) (David Lynch, 2017), “Solaris” (Andrei Tarkovski, 1972), “Stalker – La zona” (A.T., 1979), “Alphaville” (Jean Luc Godard, 1965), “El mundo conectado” (Rainer Werner Fassbinder, 1973) (teleserie).
Textos y escritores citados: “En la tierra como en el cielo, cine estadounidense de ciencia ficción, 1970-1989” (Matías Carnevale, 2019), “De la tierra a la luna” (Julio Verne, 1865), “Los primeros hombres en la luna” (H.G.Welles, 1901), “Cyrano de Bergerac” (Edmond Rostand, 1897) (obra teatral), “Frankenstein” (Mary Shelley, 1818), “El Eternauta” (Héctor Germán Oesterheld/Francisco Solano Lopez, 1959) (historieta), Jonathan Swifft, Edgar Allan Poe, Isaac Asimov, Ray Bradbury.11 months ago por LuisFrancCine - 23 plays
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Idea y conducción: Luis Franc.
Co conducción: Sofía Checchi.
Editorial: “Percepciones del conurbano, de las más extendidas periferias locales”
El programa comienza con una semblanza sobre directores – Thomas Vintenberg, Lucrecia Martel - que piensan variadas formas de periferias con sus cámaras. La idea central del programa es pensar la periferia como concepto.
A tal fin conversamos con Raúl Perrone – destacado director argentino con cerca de setenta películas en su haber, oriundo del barrio de Ituzaingó donde no solo vive sino que lo elige como locación central de sus producciones en las que suele investigar con la cámara sobre los excluidos del sistema en sus devenires erráticos, filmando con bajo presupuesto como ética propia; también es dibujante y actor -. En ocasión de la salida a la venta de una compilación de textos sobre su obra por la editorial Accatone (@accatone20), se explayó sobre diversos aspectos de su trabajo desde los años noventa hasta la fecha. Contamos con la introducción de la editora Silvina Pachelo (@pachelox) y el aporte de Oscar Cuervo (@laotra21), en relación a ciertos equívocos de la crítica con respecto a la obra de Perrone, su soporte material y las estructuras de relato que utiliza.
Durante el programa, Perrone se explaya sobre cómo se hablaba de los barrios en aquellos primeros tiempos de su obra,- con San Telmo como recurrencia espacial central -, de aquellas terrazas en las que los niños jugaban, en contra el concepto de realismo, sobre las inconducentes brechas entre ficción y documental, los encasillamientos de los actores en determinados roles, sobre el conurbano como moda establecida desde clichés, los prejuicios que suelen esconder ciertos usos de términos como “conurbano”, “minimalismo”, “independiente”, sobre los usos del video y del digital en la actualidad, sobre las recurrencias inconducentes en el cine y en la escritura sobre cine, el uso de fórmulas, en contra del concepto de evolución, la dinámica de sus talleres de realización, sobre los problemas del cine con el advenimiento de las plataformas, el desfasaje entre sonido e imagen como modo estético, el trabajo sobre los cuerpos como epidermis, la decisión ética entre lo que se elige mostrar y lo que no, y contra la idea del casting para la elección de actores.
Autores, películas y series citadas: Lucrecia Martel, Thomas Vintenberg, “El fugitivo” (serie de Roy Huggins – 1963 a 1967) , “Adios al lenguaje”(Jean Luc Godard, 2014).
Películas de Raúl Perrone citadas: Labios de churrasco (1994), Cinco pal peso (1998), Pr1nc3s4 (2021), Sean eternxs (2022).1 year, 2 months ago por LuisFrancCine - 15 plays
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Entrevista a Jorge Kreyness, Sec. de RRII del Partido Comunista de la Argentina y a Gustavo NG Periodista especializado en la relaciones entre China y Argentina.
1 year, 7 months ago por LarryLevy - 15 plays
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Entrevista a Ivy Cángaro, periodista de investigación y escritora.
Entrevista a Eduardo Freiler, abogado. Exjuez de la Cámara Federal porteña.
EDITORIAL DE LARRY LEVY
La mendacidad, la mentira se ha convertido en una “comoditie”, en un valor de cambio del discurso político de la derecha. La mentira llega al público con una dosis de refuerzo aplicada por la prensa hegemónica que trata de convertir el engaño en verdad revelada. Además de estas estrategias, bien armadas y maquilladas, que ocultan siempre el despojo a los vulnerables y el robo sistemático de los poderosos… digo... además... todo esto cierra con la firme tutela de un superpoder vitalicio que legitima la trampa... Hablo del Poder Judicial. Todos decimos que la gran masa de funcionarios judiciales no es corrupta. Seguramente es cierto. Sin embargo, después de lo ocurrido esta semana con el mal llamado impuesto a las ganancias, la actitud corporativa de jueces y funcionarios, hace que no sea menos cierto que ese superpoder vitalicio marca la profunda promiscuidad de la desigualdad y desmiente el sentido solidario de una buena parte de la sociedad. Frente a la pobreza, frente a la indigencia… la falta de empatía y la clara desigualdad frente a la responsabilidad social... es un delito moral que enoja y acentua los desequilibrios del sistema. Todo esto sin hablar aún del lawfare, y del uso de los tiempos y los recursos técnicos y materiales de la Justicia para convalidar el despojo de los poderosos… para enlentecer las investigaciones, para desviarlas, para amañarlas y finalmente ocultar o beneficiar a un sector determinado. Es el caso increíble del ritmo de la investigación de intento de magnicidio de la vicepresidenta. No se puede tener una mirada indulgente cuando se naturaliza y se acepta no sólo el discurso de odio, sino la acción de odio que socava la convivencia de cualquier sociedad.
Hoy vamos a conversar con una periodista que le puso imagen y nombre a los violentos y con un exjuez eyectado del sistema por atreverse a tocar el poder.11 months, 1 week ago por LarryLevy - 50 plays
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Idea y conducción: Luis Franc.
Editorial: “La identidad como problema”.
Tema del día: Identidad y multiplicidad. El caso de la Zwi Migdal argentina. El conflicto palestino israelí desde las producciones hollywoodenses. Formas de resistencia desde el cine. Los casos de Avi Mograbi, Eyal Sivan y Ari Folman.
Contamos con la presencia de Larry Levy (@larrylevy57) – periodista internacional en “SL&Asoc.” y “EntreLíneas Comunicaciones Corporativas”, editor y presentador de noticias en “Alef Network”, corresponsal de “Radio Mitre” y “Radio Caracol” (ambas desde Tel Aviv), columnista en “Quedate con el vuelto” por Radio Rebelde, creador y conductor de “Nosotros, los otros” emitido en Radio Hache, hoy en Radio Caput, autor del libro “La mancha de la Migdal. Historia de la prostitución judía en la Argentina” – quien se refirió a la pretensión de una identidad “judía” de los proxenetas de la Zwi Migdal, la confluencia de identidades en el Estado De Israel, el preludio del conflicto desde Inglaterra y Francia, las diferencias entre chiitas y sunitas, al sionismo actual como “neoliberalismo expresado en Medio Oriente”, al mundo árabe como cultura y al florecimiento contemporáneo del documentalismo de denuncia de las atrocidades de la ocupación. Mencionamos el rol de la productora norteamericana Cannon en la promoción del punto de vista sionista, y cuestionamos la idea de diáspora.
En el marco del programa escuchamos la visión de Cristina Fernandez de Kirchner (@cristinafkirchner) sobre el conflicto.
También tuvo la palabra Oscar Cuervo (@laotra21) - filósofo, docente, periodista, director de la revista digital La Otra y especialista en Soren Kierkegaard - quien delimitó el origen del conflicto entre el fin de la Segunda Guerra Mundial y la creación del Estado de Israel. Cuervo selecciona y analiza tres películas como eje de las “mutaciones” en las formas del cine: “Z32” de Avi Mograbi (#avimograbi), “Ruta 181. Fragmentos de un viaje en Palestina- Israel” de Eyal Sivan (Francia, Bélgica, Alemania, 2004) y “Vals con Bashir” (Ari Folman, 2008). E introduce en su análisis el contrapunto entre los sentidos de los términos “Shoah” y “Nakba”.
Películas y directores citados: “Los árabes malos del celuloide. Como Hollywood vilipendia a un pueblo” de Jeremy Earp y Sut Jhally (Estados Unidos, 2006), “Exodo” de Otto Preminger (Estados Unidos, 1960), “Z32” de Avi Mograbi (Israel, 2008), “Fauda” (serie) (Lior Raz y Avi Isaacharoff, 2015), “Shoah” (Claude Lanzmann, 1985), “Difamación” (Yoav Shamir, 2009), “Vals con Bashir” (Ari Folman, 2008).
Textos citados: Larry Levy: “La mancha de la Migdal. Historia de la prostitución judía en la Argentina”.10 months ago por LuisFrancCine - 41 plays
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Entrevista al psicoanalista y escritor Jorge Alemán
2 years, 7 months ago por LarryLevy - 432 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Co conducción: Sofía Checchi.
Editorial: “En el comienzo fue la imagen”.
Tema del día: La imagen como preexistente del verbo. Artes plásticas e instituciones. El rol del museo y la curaduría. El cine como expresión de todas las artes. Vínculos de la pintura con obras cinematográficas.
En esta oportunidad contamos con la palabra de Daniel Santoro (@danielsantorooficial) para adentrarnos en los vínculos, tensiones de las artes plásticas y su relación con el cine. Para ello se refirió al cine como lenguaje, la ontología de la imagen compartida por todas las artes, la pintura como madre de todas las artes plásticas, Walter Benjamin y la imagen como aura, la mitología que se teje en torno a un cuadro, la obra de Katsushika Hokusai “La gran ola de Kanagawa” como disparador de imágenes de mares en el cine, la imagen que antecede al verbo, el estatuto mítico de las imágenes, el arte conceptual, Duchamp y la apertura de lo escópico a lo conceptual, el siglo veinte como época que se prometía “picassiana” pero terminó siendo “duchampiana”, el curador como meta-artista, el montajista de cine como curador, lo inefable en la pintura, Pierre Bonard como enemigo de Pablo Picasso, el arte conceptual como sistema de producción semántico, la pulsión escópica versus la producción semántica, el cine de terror como ejemplo de pulsión escópica, el preciosismo en la pintura y el cine, la estructura visual de la fotografía, la relación entre el barroco y el cine, y el error como producción.
Artistas plásticos citados: Eduardo Stupia, Pablo Picasso, Horacio March, Marcel Duchamp, Pierre Bonnard, Eduardo Sívori, Giorgio Morandi, Enrique Policastro.
Obras citadas: “La gran ola de Kanagawa” (grabado de Katsushika Hokusai), “La ballena. El metamuseo” (instalación del Colectivo “Estrella del Oriente” - Daniel Santoro, Juan Carlos Capurro, Pedro Roth, Juan Carlos "Tata" Cedrón, Ana Aldaburu, María Negro, Roberto Plate), “Fuente” (readymade de Marcel Duchamp), “El despertar de la criada” (oleo de Eduardo Sívori), “Infieles” (muestra de pinturas, dibujos, collages y videoarte).
Películas y directores de cine citados: “La ballena va llena” (Colectivo “Estrella del Oriente” - Daniel Santoro, Juan Carlos Capurro, Pedro Roth, Juan Carlos "Tata" Cedrón, Marcelo Céspedes -, 2014) (https://www.youtube.com/watch?v=t65XVVE7zcw); “Psicosis 24 horas” (Douglas Gordon, 1993); “Andrei Rublev” (Andrei Tarkovski, 1966); “Twin Peaks” (David Lynch, 1989/90/2017); “Citizen Kane” (Orson Welles, 1941); "Ocho y medio" (Federico Fellini, 1963), Alfred Hitchcock, Peter Greenaway.
Filósofos y teóricos citados: Walter Benjamin, Maurice Merleau-Ponty, Friedrich Nietzsche, Noel Burch.1 year, 3 months ago por LuisFrancCine - 51 plays
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Idea y conducción: Luis Franc.
Editorial: “De la completitud a los restos”
Tema del día: El mundo armónico y los restos. Los restos de la sociedad y los restos del cine. Restos como producción. Formas organizadas a partir de los restos. Restos como nuevas imágenes. La dictadura cívico militar como promotora de restos. Restos como periferias.
En esta oportunidad charlamos con Sebastian Russo (@sebastianrussobautista) – sociólogo, escritor, ensayista, investigador, videoartista, codirector de la plataforma y editorial “VerPoder – Ensayos de la mirada” – sobre qué pensamos como resto, la dictadura cívico militar como régimen visual, los restos del modo de ver de la dictadura en el periodo democrático, su trama político-visual, el aplanamiento de la experiencia versus las resistencias, el ejemplo del conurbano con el cine de Raúl Perrone, el resto como salvación (Agamben), como lo no contemplado, lo desechable a la vez como esperanza, el cuerpo sin órganos y el caos-germen (Deleuze). Ejemplos de Turner y Jackson Pollock. También citó el concepto de mirada “quebrada” (Fontán), el peso del tiempo, el rol del cuerpo y la dictadura como generador de deshechos en “Habeas corpus” (Acha), la naturalización de los deshechos en tanto exclusión como promoción cultural del sistema neoliberal, la devastación recapturada por las series televisivas de la posmodernidad, las imágenes que sobran y las que faltan y la pregunta sobre quienes son los que faltan.
Artistas plásticos citados: Joseph Turner, Jackson Pollock.
Escritores citados: Nestor Perlongher, George Orwell.
Películas y directores de cine citados: Raúl Perrone, César Gonzalez, Gustavo Fontán (“La orilla que se abisma, 2008), Jorge Acha (“Habeas corpus”, 1986), Lucrecia Martel, Harun Farocki, Alexander Kluge.
Filósofos y teóricos citados: Gilles Deleuze, Giorgio Agamben, Hito Steyrel, Guy Debord.
Textos citados: “Los espantos: Estética y posdictadura” (Silvia Schwarzböck, 2015), “Maraña” (Gustavo Fontán, 2021), “1984” (George Orwell, 1948), “En defensa de la imagen pobre” (Hito Steyrel, 2014),12 months ago por LuisFrancCine - 36 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Co conducción: Sofía Checchi.
Editorial: “El fin de la ilusión”
Tema del día: Quiebre de la forma clásica. La imagen-tiempo. El concepto de vidente. Cine moderno como un nuevo hábito. Autores representativos. Cine moderno y cine de autor.
Pensamos el tema junto a Fernanda Alarcón (@ma.fernanda.alarcon) - Licenciada en Artes (UBA), docente de Análisis y Crítica de Cine y de Historia de las Artes Audiovisuales; coordinadora de los talleres “Miradas degeneradas” y “Máquinas de mirar” en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA); su tesis de maestría fue “Figuras vacilantes, paisaje, espectro y jardín en el cine de Lucrecia Martel” -. Abordamos el surgimiento, apogeo y caída del cine moderno desde los años sesenta; el aporte a la modernidad cinematográfica de Brian de Palma, Steven Spielberg, Martin Scorsesse y Francis Ford Coppola, luego opacados por sagas o seriales; los ejemplos de Ingmar Bergman, Federico Fellini, Apichatpong Weerasethakul, Abbas Kiarostami, Lucrecia Martel, Pedro Costa y Paz Encina ; sobre cómo el cine moderno resurge en el nuevo cine argentino y en cines periféricos; las diferencias y similitudes entre cine moderno y cine de autor; las influencias de las vanguardias de los años veinte en la modernidad cinematográfica; sobre qué estructuras suele elegir la cinefilia; la elusión del conflicto central; la incorporación de un nuevo hábito; el efecto de “Mi vecino Totoro” de Hayao Miyazaki; sobre el concepto deleuziano de vidente y cómo generar la videncia en los espectadores; el tiempo como tema; el plano secuencia fijo como cliché contemporáneo, la trampa de “El arca rusa” de Alexsandr Sokurov; las estrategias de David Lynch como autor convocante y sus diferencias con Alain Resnais a través de “Hiroshima mon amour” y “Providence”; Alfred Hitchcock y Orson Welles como autores entre clasisismo y modernidad; la subversión de ciertos cánones narrativos por parte de Hitchcock con los casos de “Psicosis” y “Vértigo”; la posmodernidad en Mariano Llinas, Peter Greenaway y Quentin Tarantino; el manierismo según Serge Daney y la referencia a la mirada contemporánea de “Todo en todas partes al mismo tiempo” de Daniel Kwan y Daniel Scheinert.
Autores y películas que se mencionaron: Brian de Palma, Steven Spielberg, Martin Scorsesse, Francis Ford Coppola, Ingmar Bergman, Federico Fellini, Apichatpong Weerasethakul (“Memoria”, 2022) Abbas Kiarostami (“Donde está la casa de mi amigo”, 1987), João Pedro Rodriguez, Miguel Gomez, Pedro Costa, Alain Resnais (“Hiroshima mon amour, 1959 – “Providence”, 1977), Hayao Miyazaki (“Mi vecino Totoro”, 1988), Lucrecia Martel, Alfred Hitchcock (“Vértigo”, 1958 - “Psicosis”, 1960), Orson Welles, Paz Encina (“Eami”, 2022), Alexsandr Sokurov (“El arca rusa”, 2002), Mariano Llinas, Peter Greenaway, Quentin Tarantino, Daniel Kwan y Daniel Schneinert (“Todo en todas partes y al mismo tiempo”, 2022).1 year, 3 months ago por LuisFrancCine - 23 plays
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Entrevista a Alejandro Kaufman, Profesor universitario, crítico cultural y ensayista.
EDITORIAL DE LARRY LEVY
La multiplicidad de lecturas de la realidad, hoy, y subrayo el “hoy”, pareciera generar un debate eterno, sin fin y quizás nada constructivo. En realidad no resulta un debate, sino una una puja de ideas relacionadas entre sí pero no articuladas. Algunos temas son abordados de manera estanca, como si las soluciones parciales desentrañasen el todo.
Sin embargo, ese todo no llega nunca. Y la compulsa, disfrazada de debate, no genera certidumbre, y menos aún la visualización de un camino a recorrer.
Es que el tiempo de la crisis llegó precipitadamente o inesperadamente, y aunque parezca una frase trillada, las duraciones de las crisis no son mensurables. Es por eso, que debemos replantearnos los términos, fijar las prioridades sobre las cuales debemos trabajar y fundamentalmente desdramatizar la realidad. Esto último, lo confieso, lo escuché de boca de nuestro invitado de hoy hace unos meses.
Y cuando la situación, el momento y las circunstancias se nos presentan como irresolubles, como dicen en la calle, hay que bajar un cambio, quitarle dramatismo, volver a ejercitar la mirada crítica, reconocer y mensurar las fuerzas en puja y ensayar caminos alternativos.
Las respuestas están, siempre están. Los tiempos de los cambios sociales, de los cambios políticos, casi nunca están sincronizados con los deseos y eso atenta con la tranquilidad de la generación que debe asumir esos cambios.
Quizás seamos nosotros la generación que deba ver alterada su tranquilidad. Nada de tarea fácil.1 year, 2 months ago por LarryLevy - 27 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Darío Steimberg.
Editorial: ""Una cámara registra"
Tema del día: Surgimiento de los primeros registros. La observación convive con la puesta en escena. Alternativas del documental. El documental apócrifo. Períodos del documental a través del tiempo.
Contamos con la palabra de Luis Bernardez - director de "Los corroboradores" (2018) - con quien reflexionamos sobre el hecho documental y sus posibilidades, haciendo eje en su propio material. Luego entrevistamos a Emilio Bernini - Doctor en Letras (UBA) y editor de la revista de teoría cinematográfica "Kilómetro 111" - ,quien estableció los diferentes períodos del documental desde los comienzos del cine hasta el presente, tema trabajado extensamente en su ensayo "Tres ideas de lo documental. La mirada sobre el otro" (Kilómetro 111 - Número 7 - año 2014).2 years ago por LuisFrancCine - 60 plays
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Luis Franc conversó con Sebastián Russo Dur: 46:37Luis Franc en su programa Periferias del Cine conversó con Sebastián Russo, docente, licenciado en sociología, investigador de la UBA y ensayista sobre cine argentino reflejando momentos históricos.
12 months ago por RadioCaput - 7 plays
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Entrevista a Ricardo Aronskind, Lic. en Economía y Magíster en RR.II
Entrevista a Luis Alberto Quevedo, Sociólogo, profesor, investigador y especialista en medios.
EDITORIAL DE LARRY LEVY
Decir que “la cosa está jodida” es una reflexión más cercana a un lugar común... que a un pensamiento elaborado o sofisticado. Es como un saludo entre amigos preocupados por la situación cotidiana. Pero no deja de ser una frase legítima, aunténtica, que sintetiza para muchos un cúmulo de incertidumbres y preocupaciones que, en apariencia, no terminan de resolverse de acuerdo a nuestra lógica o a nuestra secuencia de pensamiento en términos de lo leído, lo estudiado o lo aprendido. Queremos y apuntamos a una realidad que satisfaga nuestros deseos básicos de equidad, igualdad, justicia, etc.
Pero lo dominante en estos tiempos no parece ser lo de la construcción, el debate de los matices y sus soluciones. Hoy... la puja y la tensión, NO ESTÁN puestas en la resolución de las diferencias. La tensión está sostenida, de manera intencional, en la administración y dosificación de esas diferencias, manejadas desde el poder real.
Hay que escapar de esa lógica de puja constante, y hay que hacerlo de manera inteligente y creativa. Hay que salir de esa falsa tensión insoluble porque detrás de ese manejo no existe nada más que la intención histórica de mantener el poder concentrado en pocas manos.
¿Y por qué “la cosa está jodida”? La frase debería ser el disparador de un debate profundo de ideas. No encontramos la forma de enfrentar la maquinaria del poder. No logramos ganar la calle de manera permanente. No logramos movilizar. Algunos chispazos, que los hay, no alcanzan frente a la parafernalia desplegada del otro lado.
Deberemos estudiar, investigar y desarrollar nuevas tácticas y estrategias, sin perder contenidos, sin resignar deseos, resolviendo las urgencias y en especial no cayendo en el derrotismo y la indiferencia.10 months ago por LarryLevy - 7 plays
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Darío Steimberg.
Editorial: "No veo cine argentino: una zoncera extendida".
Tema del día: ¿Existe un modo de representación argentino? ¿Un estilo o forma argentina del cine?.
Piensa el tema con nosotros el crítico Marcos Vieytes. Charla sobre perspectiva de género en el cine argentino con Alejandra Portela - docente y directora de contenidos del sitio Leedor.com - y Kekena Corvalan - docente y curadora feminista.2 years, 2 months ago por LuisFrancCine - 178 plays
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