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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Tensar la frontera de los géneros”.
Tema del día: De la mirada tradicional en el cine – apoyada en la confirmación y naturalización del mundo heterosexual como "orden natural" – a la apertura a cuerpos como multiplicidad.
En el primer tramo del programa entrevistamos a Marco Berger (@marcobergercine), notable director argentino que trabaja en su obra la percepción del mundo gay - “Plan B” (2009), “Ausente” (2011), “Mariposa” (2015), “Taekwondo” (2016), “Un rubio” (2019) o “Gualeguaychú, el país del carnaval” (2021), entre otras - Marco se dedicó a brindar un amplio panorama de sus búsquedas de cámara, el trabajo con los cuerpos que habitan el cuadro cinematográfico, los tiempos de sus planos y la construcción de los espacios. Sobre el cierre de la entrevista, reflexionó sobre
Luego charlamos con Lucas Martinelli (@lucasmarciane), Dr. en Estudios de Género y Licenciado en Artes por la UBA, investigador en e, tituto Interdisciplinario de Estudios de Género (Univ. De 3 de Febrero), compilador del texto ”Fragmentos de lo queer: arte en América Latina” y autor de “Rondas nocturnas. Sexo, exclusión y extravío en el cine argentino”, de próxima aparición. Lucas trazó un interesante panorama sobre las tradiciones de la imagen cinematográfica, sobre todo del cine argentino, marcando dos momentos clave: los años sesenta y los noventa. Durante la charla analizó películas como “Piel de verano” (Leopoldo Torre Nilson, 1961) y “Los jóvenes viejos” (Rodolfo Kuhn, 1962). Luego de pasar por algunas reflexiones sobre el cine latinoamericano, nos dedicamos a abordar desde que lugares se establece o no el quiebre con las tradiciones en “Las hijas del fuego” (Albertina Carri, 2018) y en la obra de Pedro Almodovar.hace 2 años, 1 mes por LuisFrancCine - 41 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Tiempo y recepción”.
Tema del día: Diversas posibilidades del tiempo en el cine. Desde el más tradicional – tiempo lineal, de ritmo sostenido – hasta otras alternativas de quiebre con dicha costumbre. La forma-género, las posibilidades de apostar a la cadencia en el plano y las alternativas a lo mental.
Antes de meternos de lleno en el tema, entrevistamos a Horacio Mosquera – director del Museo Histórico Nacional del Cabildo y la Revolución de Mayo -, quien nos actualizó sobre el sentido simbólico del museo, las refacciones que se están efectuando, las nuevas políticas de la institución y las actividades que se están llevando a cabo.
Luego continuamos con nuestro tema central con referencias a Henri Bergson y a los dos tomos de Gilles Deleuze sobre cine: “La imagen-movimiento” y “La imagen-tiempo”, invitando luego a participar de la charla a Nicolás Zukerfeld (@nzukerfeld) - director de cine y profesor de la Universidad del Cine (FUC) en Historia del Cine 1, Guión 2 y Documental, miembro del staff de “Revista de Cine”, editado por la misma institución –, quien disparó su participación a partir de la experiencia en sus clases y la referencia al ineludible Alain Resnais. Luego, seguimos abordando el tema central haciendo eje en su última película “No existen 36 maneras de mostrar como un hombre se sube a un caballo” (2020).
hace 2 años por LuisFrancCine - 44 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Darío Steimberg.
Editorial: "Primeros relatos que gozan de buena salud"
Tema del día: Actualización de las estructuras míticas en el cine. La imagen del mito más extendido socialmente en la cultura occidental y en el cine: Cristo. Del Cristo canónico al Cristo revolucionario. Formas de la trascendencia. Los mitos paganos. El viaje iniciático y la figura del héroe. ¿Se puede pensar al cine sin el mito?
Contamos con la palabra de Gustavo Bernstein – escritor, periodista, director de cine – con quien conversamos sobre su texto “El rostro de Cristo en el cine. Una lectura cinematográfica del Evangelio”, centrándonos en las formas de Franco Zeffirelli, Carl T. Dreyer, Martin Scorsesse y Pier Paolo Pasolini, entre otros. Luego entrevistamos a Esteban Ierardo – filósofo, escritor, docente – quien nos amplió sobre la constitución de los mitos, sus referencias cinematográficas, los mitos paganos en el cine con el ejemplo de “Medea” de Pasolini, y sobre la forma más extendida del mito en el cine: el camino del héroe.hace 2 años, 7 meses por LuisFrancCine - 68 reproducciones
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Editorial: “Del sentido común a la subjetividad”.
Tema del día: ¿Qué es la crítica? Pensar la crítica cinematográfica. Diversas aproximaciones al acto de la crítica. Críticos y espectadores. ¿Cómo abordar un material fílmico? La crítica en el tiempo. Crítica argentina.
En el primer tramo del programa charlamos con Paula Vazquez Prieto (@paulavazquezprieto) – ex redactora de “El Amante – Cine” - redactora en el suplemento Radar de Página/12 y La Nación y editora en “Hacerse la crítica” – quien nos compartió su modo de entender al acto de la crítica además de establecer los periodos centrales de la crítica de cine en las diferentes épocas. Luego pasamos por la diferencia entre crítica especializada y no especializada, las formas de la crítica contemporánea y el hecho del juicio valorativo. Sobre el final, reflexionamos sobre las politicas corporativas en algunos medios de comunicación.
En la segunda parte nos dedicamos a reflexionar sobre lo charlado con Paula durante el primer bloque del programa, tomando como eje los modos de acercamiento a la percepción de una película, de que hablamos cuando nos referimos a la estructura de un material, y lo que el material devela más allá de la misma. En los últimos minutos pensamos en la dificultad entre lo que a cualquier crítico/espectador le pasa con un film, en relación al hecho de que eso se constituya en una crítica.hace 2 años, 1 mes por LuisFrancCine - 46 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Tabula rasa vs. memoria"
Tema del día: Pensar las políticas estatales y privadas sobre conservación de material fílmico. Las películas como preservación de memoria de los pueblos y del cine. La temática en el seno del cine mismo, a partir de una película. Aproximación a una línea de tiempo histórica global y local en relación al tema. El Archivo Gráfico de la Nación como primera experiencia estatal de preservación de material cinematográfico, durante el primer peronismo.
En la primera parte contamos con la palabra del realizador, cineclubista, creador y programador del cineclub Dynamo Carlos Muller (@dynamocineclub), quien toma la problemática en sus manos a través de su documental “La vuelta de San Perón” (2021), donde seguimos su propio itinerario en busca del origen de un cortometraje sin créditos que llegó azarosamente a sus manos, sobre una mujer humilde con diecisiete hijos, quien espera en 1973 la vuelta de Perón de su exilio. Muller se explaya sobre su propia necesidad de hacer algo ese material, aspectos formales de su trabajo y sobre la diferencia entre lo que se dice y lo que se hace desde el Estado con respecto a la conservación.
Durante el segundo tramo conversamos con Laura Gomez (@preser.av)– preservadora y restauradora de material fílmico, investigadora y docente – quien nos actualizó sobre la preservación a nivel global como marco general, y especialmente en Argentina. En tal sentido, especificó sobre la creación del Archivo Gráfico de la Nación – especial momento histórico luego invisibilizado, en que se promovió la cuestión desde el aparato estatal - durante el primer peronismo. Y la relevancia de la Ley 25.119, impulsada por Pino Solanas y sancionada en 1999, la cual precisa hoy una reactualización. También nos contó sobre la importancia y urgencia de políticas en tal sentido, y en qué consiste el trabajo de preservación y restauración. Destacó también el rol de la Cineteca Vida y la Filmoteca Narcisa Hirsch, sitios en donde se destaca su trabajo.
hace 2 años, 5 meses por LuisFrancCine - 45 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Deconstruir la oscuridad”"
Tema del día: Pensar el cine de la dictadura cívico militar argentina 1976/1983. Su sistema simbólico, lo que tienen en común además de sus variados aspectos. El cine pos dictadura y su tendencia realista y discursiva, en paralelo a la conformación de imágenes alternativas, como el cine de Jorge Acha.
Entrevistamos a José Luis Visconti, Licenciado en Comunicación Social por la UNLP. Periodista, poeta y crítico de cine en Hacerse la crítica. Autor de los libros “La senda tenebrosa: una aproximación a la imagen de la mujer en el cine argentino entre 1990 y 2007” y “El peligro está en los vivos. Representaciones y omisiones en el cine argentino 1976/1983”. Con él recorrimos algunos puntos de este último trabajo, como las películas institucionales de Palito Ortega, la picaresca de Porcel y Olmedo, la exaltación de los servicios de inteligencia con la saga de los Superagentes y las publicidades de la época. Además destacó algunos casos a contracorriente, como el cine de Adolfo Aristarain.
Durante el segundo tramo conversamos con Pablo Piedras, Dr. En Filosofía y Letras (Artes combinadas – UBA), adjunto en la cátedra “Historia del cine latinoamericano y argentino”, investigador adjunto del CONICET. Autor de “El cine documental en primera persona” y de sendas compilaciones como la publicación “Jorge Acha, una eztetika sudaka”, donde se encuentra un trabajo suyo titulado “A contracorriente”, sobre la obra de este director. Con el recorrimos los modos en que el primer período democrático se acercó a la temática de la dictadura, por medio de los géneros tradicionales y el espectáculo, en contraposición al tratamiento de los cuerpos del prisionero en una celda y de su torturador con la gran película de Acha, “Habeas corpus” (1987). (la obra de este gran autor se puede visualizar completa en https://jorgeluisacha.wordpress.com/cine/peliculas/).hace 2 años, 5 meses por LuisFrancCine - 47 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Narración y percepción"
Tema del día: ¿Qué es el videoarte? Sus antecedentes. Integración de registros. Mundos comunes entre autores. Formas de percepción. Jerarquía del polo perceptual por sobre lo narrativo. Apogeo y muerte del video, y su actual reemplazo por el digital. El rol del cuerpo.
La idea del programa fue pensar el videoarte en general desde su recorrido en Argentina, y centrándonos en dos artistas emblemáticos. En tal sentido, durante la primera parte charlamos con los críticos Emilia Herrerías Martinez y Federico Bianchetti, sobre su texto en coautoría “Claudio Caldini, el jardinero del cine”, publicado en la revista digital Taipei (@taipeicritica). El texto completo sobre la obra de este artista central se puede leer aquí: (https://taipeirevista.com/index.php/2021/05/26/claudio-caldini-el-jardinero-del-cine/).
Durante el segundo tramo contamos con la presencia de Graciela Taquini (@taquinigraciela), pionera en el campo del videoarte argentino desde 1984 y docente media, universitaria y de posgrado, con un recorrido de más de treinta años en organismos culturales del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. La misma estableció un recorrido del videoarte en perspectiva histórica, refirió a su experiencia propia en el terreno, los nexos con otras tendencias contemporáneas – como las instalaciones -, la dimensión de la memoria como especial preocupación en su obra, y el papel del cuerpo. También presentó la agrupación de cineastas experimentales que integra, AREA (https://www.areaexperimental.com.ar/). La página de Taquini es http://www.gracielataquini.info/
hace 2 años, 5 meses por LuisFrancCine - 48 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “De espectáculos y Sueños”.
Tema del día: La herencia teatral del musical. La promoción de una ilusión. La creación de un mundo tan artificioso como verosímil. Praxis del musical. Componentes perceptuales a partir de la sonoridad y la organización de la puesta en escena de un musical.
En el primer tramo del programa conversamos con Agustina Buchbinder (@agusbuch) - Licenciada y Profesora en Letras por la UBA; docente de Lengua y Literatura en nivel medio e investigadora en teoría literaria y literatura española; crítica en Revista Encuadra (@revistaencuadra) donde dictó en Julio de 2021 el curso “Un gigantesco sueño: ideas sobre el musical”, y estudiante de comedia musical -. Con ella abordamos aspectos como el musical clásico del Hollywood de los años cincuenta, los juegos con el absurdo, la idea del verosímil que incluye un artificio expreso, el quiebre planteado en los sesenta y setenta con casos como “Wes side story” (Robert Wise, Jerome Robbins, 1961) u “All that jazz” (Bob Fosse, 1979), el caso en los ochenta de “Little shop of horrors” (Frank Oz, 1986) y el concepto deleuziano de “sueño implicado” para pensar este género.
En el segundo tramo tuvimos la presencia de Augusto Sinopolli (@augusto.sinopoli) – Licenciado en Dirección Orquestal (UCA) e integrante de la Compañía Teatral Old Tempest (@oldtempest) a punto de estrenar su séptimo trabajo -. Con él conversamos del modo de estructurar un musical, de la incorporación al mismo de la danza, del canto, de los momentos de interrupción o de baja de la intensidad en medio del mismo espectáculo, de los aspectos que debe tener en cuenta un director de orquesta, del rol central de la voz y sus diversas posibilidades (como la voz en relación al canto, a la actuación, a los diferentes estados emocionales como los momentos meditativos, al uso de los leitmotiv en momentos específicos), de los modos de aparición de la ópera en el cine y los peligros en ciertos usos de tal género.hace 1 año, 11 meses por LuisFrancCine - 18 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc. Co conducción: Sofía Checchi.
Editorial: “Contra la naturaleza”.
Tema del día: Fronteras, tensiones y multiplicidades del cuerpo. El cuerpo universal como atentatorio a la tensión. Mundos queer. La recepción de lo queer.
Esta emisión se propone como extensión del Programa 22 (“Cine y diversidad sexual”), para centrarnos sobre todo en los mundos queer. Para ello, contamos con la presencia de Goyo Anchou (@goyoanchou) – director recibido en la Universidad del Cine (1991-1995); entre su producción se cuentan trabajos como “Safo” (2003), “La peli de Batato” (2011), “Heterofobia” (2015) y “El triunfo de Sodoma” (2020) - . El primer tramo de la charla se centra en reflexiones sobre la ausencia en Argentina de políticas estatales para la preservación de material cinematográfico. Luego Anchou se refiere a la figura de Batato Barea como mito, a la recepción de lo queer como acto de creación por parte de les espectadores, de las condiciones y el proceso de producción de “La peli de Batato”, de la gran entrevista a Alejandro Urdapilleta incluida en el filme (el crudo sin editar es imperdible: https://www.youtube.com/watch?v=YiZnst9NAAY). En el segundo tramo del programa nos dedicamos a pensar “El triunfo de Sodoma” (aquí, un texto sobre la película: https://hacerselacritica.com/20o-doc-buenos-aires-el-triunfo-de-sodoma-tensar-la-cuerda-normativa-por-luis-franc/). El director nos cuenta su trabajo de varios años para la concepción del material, nos narra la captación documental del momento inaugural de la película en el Encuentro Nacional de Mujeres en Mar Del Plata, la utilización en el material del slogan “Muerte al macho” como concepto, la pregunta sobre el arte que atraviesa el trabajo, las posibilidades de recepción del mismo y el juego que establece con las vanguardias artísticas de principios del siglo XX.
En dos tramos del programa contamos también con la palabra de Enzo Monzón (https://www.enzomonzon.com/enzo) (@nzomonzon_audiovisuales) – realizador audiovisual rosarino, actual residente en Barcelona, entre sus trabajos se cuentan los cortometrajes “Radioactiva” (2017), “El drak de Miuka” (2018) y el largometraje “Reina hormona” (2021) – quien nos aporta sobre sus diferencias con el cine de Marco Berger, el rol del cuerpo, la diferencia entre lo trans y lo queer, lo no binario, el drag queen, la apertura del mundo LGTB hacia lo cinematográfico en modo extendido, los embarazos masculinos y sus trabajos a modo de homenaje sobre la figura de Pedro Almodovar. Nos ejemplificó su exposición con algunos de sus trabajos.hace 1 año, 8 meses por LuisFrancCine - 23 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Después de los invitados”
Dicha emisión se propone como punto de inflexión luego de las resonancias que dejaron los diferentes invitados de los programas previos. Luis Franc y a Sofía Checchi se encargan de pensar en un mano a mano los vínculos entre pensamiento y cine. En tal sentido, los puntos abordados son: el pensamiento como lo que se sustrae a la reflexión, ¿qué es el cine?: una pregunta que no demanda respuesta, el caso de Andre Bazin, sobre pensar filosóficamente el cine, el aporte invaluable de Gilles Deleuze a contracorriente de Bazin, el cine no existe, cine y percepción, el pensamiento de Henri Bergson, pensar las imágenes que dan a percibir el movimiento, la ilusión burguesa de vencer a la muerte como misión encomendada al cine, contra el lenguaje cinematográfico, contra la interpretación, contra la identificación, contra el “gusto personal” en el cine, contra la representación, el Modo de Representación Institucional (MRI), el cine de géneros como aparato de Estado del cine, los clichés instituidos del cine, la demanda de los mismos por parte de sectores del público, hábitos de los espectadores, las tradiciones del mirar, los agujeros narrativos, el hábito como cerrazón y como posibilidad, aceptar las zonas de incomodidad y el hallazgo de aspectos inefables en el cine todo – hasta en los modos más clásicos -.
Autores citados: Eadweard Muybridge, Michael Haneke, Jean Luc Godard, Francis Ford Coppola, Ernesto Baca, Paulo Pécora, Vittorio De Sica y Lucrecia Martel.hace 1 año, 11 meses por LuisFrancCine - 21 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Formas del espacio"
Tema del día: Diferentes alternativas del tratamiento espacial en el cine. El espacio como problema originario. Espacios clásicos que contextualizan los cuerpos en acción. Espacios vacíos. Espacios independientes de aquellos cuerpos. El espacio mítico. La subjetividad de los personajes constituyendo los espacios. El rol del sonido en la concepción del espacio. El tiempo como factor ineludible a la hora de pensar el espacio. Los casos de Michelángelo Antonioni, Lucrecia Martel, Martín Rejtman, Chantal Akerman y Alfred Hitchcock.
En el primer tramo del programa, contamos con la palabra del Dr. en Historia y Teoría de las Artes, Licenciado en Artes Combinadas y docente (UBA), Mariano Veliz (@marianosveliz), quien se explayó sobre el espacio como problema, los cuerpos en los espacios clásicos y modernos, el tratamiento del espacio en la dicotomía campo/ciudad y sobre la ciudad como territorio insurreccional en las formas latinoamericanas.
Durante el segundo tramo charlamos con el director paraguayo Hugo Gimenez, quien cuenta en su producción con dos valiosas obras: el documental “Fuera de campo” (2014) y su última película de carácter narrativo “Matar a un muerto” (2019), en coproducción con Argentina, sobre la que nos centramos casi toda la conversación. (https://hacerselacritica.com/matar-a-un-muerto-de-entre-los-muertos-por-luis-franc/). En tal sentido, el director se explayó sobre el universo mítico desde el que un personaje organiza del espacio, la dimensión del registro sonoro que construye una naturaleza que envuelve los cuerpos, y del pensamiento de la cámara sobre Latinoamérica.hace 2 años, 4 meses por LuisFrancCine - 36 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “El sonido, componente de la imagen”.
Tema del día: El sonido desde los comienzos del cine. La sensación de ausencia en los comienzos, a la vez que se incorporaba una forma que podía sustraer el sonido. La incorporación del sonoro en 1930. Diferentes usos del sonido en cine: desde la promoción del silencio hasta la creación de climas, pasando por la asignación del sonido a momentos específicos y la incorporación de bandas sonoras. Sonido que ancla metafóricamente o promoción de formas sonoras por fuera de la tradición.
Para pensar en voz alta el tema, charlamos con Marcelo Katz (@marcelopablokatz) – pianista, compositor; integró la Orquesta de Jazz de la Universidad de Belgrano, participó del ciclo de Música Contemporánea del Teatro San Martín (2001-2005-2011); es creador e intérprete de acompañamientos musicales de películas mudas en vivo y de la música original de puestas teatrales como “Las criadas” de Jean Genet y “La comedia es peligrosa” de Gonzalo Demaría, ambas dirigidas por Ciro Zorzoli -. Reflexionamos sobre la incorporación del sonido como componente de la imagen, sobre los elementos a tener en cuenta en la organización de un espacio sonoro tanto en teatro como en cine, y en el rol del silencio. Además Katz ejemplificó abriendo su experiencia como musicalizador de películas y puestas teatrales.hace 2 años por LuisFrancCine - 28 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Programa urgente”.
Tema del día: El conflicto en el INCAA, la gestión Puenzo, la importancia del sostenimiento del Fondo de Fomento Cinematográfico, el rol de las plataformas y la espectativa ante la nueva conducción del Instituto.
En el primer tramo del programa entrevistamos a Hugo Castro Fau (@hugocastrofau) – abogado, docente, productor, director de la productora independiente “Lagarto films”, con la que produjo recordados éxitos en televisión, productor ejecutivo de películas como “El bonaerense” y “Familia rodante” (Trapero) y “Geminis” (Carri), jurado en varias oportunidades del comité de evaluación de proyectos del INCAA y asesor en dos oportunidades durante el presente año de su consejo asesor - quien se encargó de clarificar la importancia del Fondo de Fomento, el sentido simbólico del cine y el audiovisual, la creación de sentidos comunes a través de las imágenes, el mercado cinematográfico argentino como oligopólico, el rol fundamental durante el kirchnerismo de la Ley de Cine y de Servicios de Comunicación Audiovisual, la importancia de los tratados internacionales, la necesidad de una regulación de las plataformas, el cine como generador de puestos de trabajo y el proyecto del diputado Pablo Carro (Fdt).
Luego charlamos con Andrea Testa (@andytesta17)) – directora de películas como “La larga noche de Francisco Sanctis” (codirigida con Francisco Marquez), “Pibe chorro” y “Niña mamá”, socia fundadora de la productora “Pensar con las manos” (@pensarconlasmanosok) e integrante del Colectivo de Cineastas (@colectivocine) – que se refirió al rol de dicho colectivo, a los pasos institucionales para realizar una película, al centralismo de la CABA y sus alrededores en la producción de contenidos (que encuentra su contrapartida en la ausencia de políticas federales), a la hegemonía masculina blanca en la industria y a la falta de respuestas por parte de la gestión Puenzo.hace 2 años por LuisFrancCine - 23 reproducciones
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