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Idea y conducción: Luis Franc. Co conducción: Sofía Checchi.
Editorial: “En el comienzo fue la imagen”.
Tema del día: La imagen como preexistente del verbo. Artes plásticas e instituciones. El rol del museo y la curaduría. El cine como expresión de todas las artes. Vínculos de la pintura con obras cinematográficas.
En esta oportunidad contamos con la palabra de Daniel Santoro (@danielsantorooficial) para adentrarnos en los vínculos, tensiones de las artes plásticas y su relación con el cine. Para ello se refirió al cine como lenguaje, la ontología de la imagen compartida por todas las artes, la pintura como madre de todas las artes plásticas, Walter Benjamin y la imagen como aura, la mitología que se teje en torno a un cuadro, la obra de Katsushika Hokusai “La gran ola de Kanagawa” como disparador de imágenes de mares en el cine, la imagen que antecede al verbo, el estatuto mítico de las imágenes, el arte conceptual, Duchamp y la apertura de lo escópico a lo conceptual, el siglo veinte como época que se prometía “picassiana” pero terminó siendo “duchampiana”, el curador como meta-artista, el montajista de cine como curador, lo inefable en la pintura, Pierre Bonard como enemigo de Pablo Picasso, el arte conceptual como sistema de producción semántico, la pulsión escópica versus la producción semántica, el cine de terror como ejemplo de pulsión escópica, el preciosismo en la pintura y el cine, la estructura visual de la fotografía, la relación entre el barroco y el cine, y el error como producción.
Artistas plásticos citados: Eduardo Stupia, Pablo Picasso, Horacio March, Marcel Duchamp, Pierre Bonnard, Eduardo Sívori, Giorgio Morandi, Enrique Policastro.
Obras citadas: “La gran ola de Kanagawa” (grabado de Katsushika Hokusai), “La ballena. El metamuseo” (instalación del Colectivo “Estrella del Oriente” - Daniel Santoro, Juan Carlos Capurro, Pedro Roth, Juan Carlos "Tata" Cedrón, Ana Aldaburu, María Negro, Roberto Plate), “Fuente” (readymade de Marcel Duchamp), “El despertar de la criada” (oleo de Eduardo Sívori), “Infieles” (muestra de pinturas, dibujos, collages y videoarte).
Películas y directores de cine citados: “La ballena va llena” (Colectivo “Estrella del Oriente” - Daniel Santoro, Juan Carlos Capurro, Pedro Roth, Juan Carlos "Tata" Cedrón, Marcelo Céspedes -, 2014) (https://www.youtube.com/watch?v=t65XVVE7zcw); “Psicosis 24 horas” (Douglas Gordon, 1993); “Andrei Rublev” (Andrei Tarkovski, 1966); “Twin Peaks” (David Lynch, 1989/90/2017); “Citizen Kane” (Orson Welles, 1941); "Ocho y medio" (Federico Fellini, 1963), Alfred Hitchcock, Peter Greenaway.
Filósofos y teóricos citados: Walter Benjamin, Maurice Merleau-Ponty, Friedrich Nietzsche, Noel Burch.hace 1 año, 10 meses por LuisFrancCine - 53 reproducciones
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Editorial: “Pensamiento y cine, en ese orden”
Tema del día: Usos y abusos de la filosofía y el psicoanálisis para el análisis cinematográfico. El abordaje de Gilles Deleuze. Las fuentes de su filosofía. Los procesos de percepción en el cine, que se fueron perdiendo. ¿Qué es una imagen? El aporte del psicoanálisis tomando aspectos que desbordan los límites del yo, en oposición al psicoanálisis aplicado. Deleuze como moda.
En el comienzo y cierre del programa contamos con la palabra de Ricardo Parodi (@ricardoparodi02) – fundador y coordinador del “Centro de Teoría de la Imagen”, de los principales teóricos argentinos, con amplia experiencia curatorial y docente y vasta producción académica sobre filosofía del cine, especialmente centrada en el pensamiento de Gilles Deleuze -. El mismo planteó la diferencia entre “filosofía y cine” y filosofía “del” cine, reflexionando sobre el cine como “productor de filosofía” en oposición a los usos institucionales de la filosofía; además de explayarse sobre como los procesos perceptivos en el cine se han ido perdiendo, y el cine narrativizándose e institucionalizándose cada vez más. También hizo mención a modos de percepción contemporáneos donde sobreviene aún la búsqueda de una imagen; en tal sentido citó como ejemplo a cineastas mujeres como Kira Muratova o Jutta Bruckner. Luego brindó un panorama sobre el estado actual del cine argentino para finalmente mencionar a Spinoza, Hume, Nietszche, Bergson y Marx como fuentes de la filosofía deleuziana.
También contamos con la palabra de Olga Pilnik (@juliagrink) – psicoanalista, docente, supervisora clínica en diversas instituciones, con trayectoria en publicaciones del medio como “Letrafonía” donde publicó trabajos como “Montaje cinematográfico y angustia” y “El problema del tiempo en la representación cinematográfica”; autora de dos libros de cuentos: “Los días de noche” y “El vestido de arpillera” (bajo el seudónimo de Julia Grink) -. Se refirió a las relaciones entre cine y psicoanálisis y del cine como productor de pensamiento, planteando la diferencia entre pensar al cine desde una óptica psicoanalítica tomando aspectos que desbordan los límites del yo, fuera de los componentes narrativos de una película; y abordar una película para “psicologizarla” poniendo la teoría para “aplicarla al cine” (psicoanálisis aplicado). También destacó el valor del concepto de “opsigno” de Deleuze, como apertura al pensamiento.hace 2 años, 1 mes por LuisFrancCine - 127 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Cuerpos de la actuación”.
Tema del día: El terreno de la actuación como diversidad de estilos. Técnicas actorales. El actor como cuerpo que acciona. ¿Existe un modo de actuación argentino?
En el primer tramo del programa entrevistamos a Raúl Serrano (@maestro_raul_serrano) –maestro y referente histórico de varias generaciones de actores, autor de múltiples textos académicos sobre pedagogía teatral (como “Nuevas tesis sobre Stanislavski – Fundamentos para una teoría pedagógica” y “¿Se puede enseñar a crear? – Contexto, análisis, propuesta”) y director desde 1981 de la ETBA (Escuela de Teatro de Buenos Aires). Raúl nos hizo partícipes no solo de su metodología sino de la dimensión ética en la que la misma se apoya, estableciendo parámetros básicos como el hecho de que todo se produce en el marco de la escena, contrariamente a las búsquedas de la emoción a priori. Sobre el final de la charla reflexionó la forma de actuación argentina por excelencia, el grotesco.
Luego contamos con la palabra del director Gustavo Fontán (@ellimoneroreal_pelicula) – “La orilla que se abisma”, “El limonero real”, “La deuda” y “El piso del viento” (codirigida con Gloria Peirano), entre otras – quien compartió su forma de trabajo con los actores. Sec refirió al posicionamiento del cuerpo del actor en el plano, lo visible y lo invisible de la actuación y la armonización de las diferentes propuestas actorales en una misma obra.
Durante el segundo tramo charlamos con Carlos Belloso (@bellosoactor) – actor de teatro (ex integrante del dúo “Los melli”, junto a Damian Dreizik y creador de un vasto mundo de personajes en espectáculos de su autoría como “Para, fanático” y “Dr. Peuser”, además de trabajar con variados directores), cine (“Felicidades” de Lucho Bender, “La niña santa” de Lucrecia Martel, entre otras) y televisión, lo que le valió el reconocimiento popular mas extendido. Nos compartió principalmente su método de actuación, quien es su actor de referencia y la forma de trabajo con Lucrecia Martel.hace 2 años, 2 meses por LuisFrancCine - 100 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc. Co conducción: Sofía Checchi.
Editorial: “Fantasmas que nos habitan”.
Tema del día: Los fantasmas de cada cual. El cuestionamiento de la razón. Fuentes del terror: cuando está en nosotros o cuando pertenece al mundo exterior. El terror en los comienzos del cine. Terror y humor. Los años setenta y ochenta como bisagra del género. Gore y slasher.
Para entrar en tema, contamos con la presencia con Melina Mendoza (@mvelita) – Estudiante de Letras (UBA), especializada en representaciones de la monstruosidad en diversas disciplinas artísticas y literarias, coordinadora de talleres de escritura y colaboradora de revistas digitales y festivales de cine –, con quien abordamos el cruce constante ente cine y literatura, la psicología y la psiquiatría en el género terror, el antecedente para el subgénero de vampiros del mito de Erzsébet Báthory, la novela “Carmilla” y sus adaptaciones cinematográficas, y sus analogías y diferencias con “Drácula”, publicado posteriormente. También se refirió a la influencia de la literatura de bolsillo en producciones cinematográficas de los ochenta y noventa del género, el cine de John Carpenter y las adaptaciones de novelas de Stephen King, la influencia del cine en la literatura – como en la producción de Mariana Enriquez y C.E. Feiling -, el giallo, la influencia en las formas del género por parte de los medios de comunicación, la diferencia entre el slasher y el gore, las “final girl” (chica que sobrevive al final), la cámara en relación a la mujer como víctima, el expresionismo alemán, la figura del asesino serial, cuando el terror no viene del afuera, los cambios en el género durante el cine silente y durante el sonoro, el “body horror” y el “exploitaiton”.
Películas citadas: “La mansión del diablo” (Georges Meliés, 1896), “La profecía” (Richard Donner, 1976), “Carnival of souls” (Herk Harvey, 1962), “El silencio de los corderos” (Jonathan Demme, 1991), “Scream” (Wes Craven, 1997), “Peeping Tom” (Michael Powell, 1960), “El viento” (Victor Sjöström, 1928), “Humanoids from the Deep” (Barbara Peeters, 1980), “Embrujada” (Armando Bo, 1969), “No mires atrás” (Nicolas Roeg, 1973) y la serie “Twin Peaks” (David Lynch, 1990/1991/2017).
Textos citados: “Carmilla” (Sheridan Le Fanu, 1872), “Drácula” (Bram Stoker, 1897), “El mal menor” (C.E. Feiling, 1996), “Giallo. Crimen, sexualidad y estilo en el cine de género italiano” (Compilación del Colectivo Rutemberg, 2019), y el cuento “Las fases de la luna” (Sara Gallardo, 1969).hace 1 año, 10 meses por LuisFrancCine - 36 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “En busca de una imagen”.
Tema del día: Cual es el rol del director de fotografía en una película. Sentidos comunes de la fotografía.
Para profundizar en el tema, nos acompañaron durante el programa Hugo Colace – egresado de la Escuela de Arte Cinematográfico de Avellaneda (EDAC), vicepresidente de la Asociación de Autores de Fotografía Cinematográfica (ADF), docente de talleres y seminarios de fotografía y cámara para institutos y universidades de cine de Argentina (como la UBA, UNDAV y la UNPA) y en Europa y Latinoamérica; entre los realizadores con quienes trabajó se cuentan Christian Pauls, Juan José Jusid, Lucrecia Martel, Carlos Sorín y Hugo Gimenez – y Lucio Bonelli – Director de Fotografía por la Universidad del Cine (FUC), director de fotografía y camarógrafo desde el año 2000, habiendo trabajado en más de cincuenta largometrajes de ficción, documentales y series; entre los realizadores con quienes trabajó se cuentan Damian Szifrón, Lisandro Alonso, Ana Katz y Mariano Llinas - . Con ellos profundizamos en la idea del cine como construcción de climas, el vínculo del director de fotografía con el director, la relación con el guión, el trabajo con la luz y el color, primeros acercamientos al guión y profundizaciones posteriores, el rol de la puesta de cámara, los modos del trabajo y de percepción del registro fotográfico durante el período del fílmico y el pasaje a los tiempos actuales del digital, las ventajas del digital con respecto a la democratización de las imágenes, las diferencias en los usos de la cámara en ambos formatos y el condicionamiento actual de las narrativas por la incorporación de nuevos dispositivos.
Los invitados nos ampliaron su experiencia con (en orden de mención): Anahí Berneri, Lisandro Alonso, Christian Pauls, Eliseo Subiela, Damian Szifrón, Mariano Llinas, Lucrecia Martel y Hugo Gimenez.hace 1 año, 10 meses por LuisFrancCine - 37 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Hasta hoy, el hecho maldito"
Tema del día: Pensar los vínculos entre cine y peronismo desde su irrupción en la vida política argentina. Películas y autores representativos. Los casos de Hugo Del Carril y Leonardo Favio. Políticas de Estado del primer peronismo.
Entrevistamos a Ricardo Manetti, Licenciado en Artes - Titular Regular de la UBA y la UNA, creador y ex director del BAFICI - quien más allá de actualizarnos sobre la cuestión durante el primer peronismo amplió el panorama más allá de 1946 a 1955, con la mención de trabajos de Rodolfo Kuhn, Fernando Ayala y Lucas Demare en los cuales, de diversos modos, el peronismo esta presente. También brindó un panorama sobre el rol de las mujeres en el cine de aquel período inaugural.
En el segundo tramo del programa, conversamos con Clara Kriger – Doctora en Historia y Teoría de las Artes (UBA), docente de la UBA y de la Universidad Torcuato Di Tella y autora del libro “Cine y peronismo. El Estado en Escena” – quien brindó un exhaustivo panorama sobre las políticas estatales sobre cine del primer peronismo, el rol protagónico del Estado en las ficciones, la creación de la primera ley de cine y los créditos otorgados a la industria cinematográfica.hace 2 años, 5 meses por LuisFrancCine - 71 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “La mirada a través del tiempo”.
Tema del día: El espectador desde los comienzos del cine hasta el presente. Del tiempo de las creencias al quiebre en la Segunda Guerra Mundial. Los tiempos presentes del espectador y la relación con la digitalización y los nuevos dispositivos. Del espectador al crítico. Edades de la crítica de cine y la tarea del crítico de hoy.
En esta ocasión invitamos a Eduardo Russo – teórico, docente, crítico, Director del Doctorado en Artes de la Universidad de La Plata, director de la `publicación “Arkadin”, autor de uno de los diccionarios de cine locales más consultados y habitual traductor y prologuista de las ediciones argentinas de los textos del cineasta y teórico Jean Louis Comolli – y Roger Koza (@ojosabiertos1968) - crítico, docente, director de la publicación virtual “Con los ojos abiertos” (http://www.conlosojosabiertos.com/), creador y conductor del espacio radial “La oreja de Bresson” (Radio Universidad – AM 580) y del programa televisivo “El cinematógrafo” (Canal 10 de la Universidad de Córdoba), director artístico del Festival de Cine de Cosquin y del Doc Buenos Aires - .
La dinámica en esta oportunidad se planteó con ambos invitados juntos, abriendo el juego Russo con reflexiones sobre el último texto de Comolli: “El fin de la ilusión. Paradigmas, transformaciones y tensiones en la construcción del espectador audiovisual” (Ediciones UNGS), donde plantea las diferentes edades del espectador de cine, desde los comienzos hasta la conformación de la creencia en el mundo a través de la pantalla, luego el momento en que dicha creencia se rompe, hasta los tiempos actuales con la digitalización y las nuevas tecnologías que suscitan nuevos vínculos con las imágenes y usos de los dispositivos.
A continuación, establecimos un puente para que Koza despliegue su pensamiento sobre el tema conectando la figura del espectador y el crítico, con eje en su texto sobre lo que considera que son hoy las tres formas actuales de la crítica cinematográfica: “Breves apuntes sobre una física de la crítica” (http://www.conlosojosabiertos.com/breves-apuntes-sobre-una-fisica-de-la-critica/). Finalmente, reflexionó sobre la necesidad de tender un puente crítico entre las culturas, experiencias e impresiones de los siglos veinte y veintiuno.
Ambos invitados se dedicaron todo el programa a establecer los vasos comunicantes entre las problemáticas del espectador y la crítica.hace 2 años, 1 mes por LuisFrancCine - 67 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Tema del día: Tensiones e integraciones entre lo académico y lo popular. La filosofía de Rodolfo Kusch como exponente de las integraciones de las culturas europeas y latinoamericanas. Los “puchometrajes”, cine hecho por Kusch. Cines latinoamericanos que expresan tales preocupaciones. Planteos formales del “Cinema novo” y el “Cinema marginal”, en Brasil.
Durante el primer tramo del programa, charlamos en el estudio con Adrian Muoyo (@adrianmuoyo) - director de la Biblioteca y Centro de Documentación y Archivo del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), periodista y redactor en "Hacerse la crítica", integrante de la red Bibliotecas Iberoamericanas de Cine (BIBLIOCI) y miembro de la Academia Porteña del Lunfardo – quien aportó su conocimiento sobre el pensamiento de Kusch. Se abordaron aspectos como la necesidad de su pensamiento en contraste con el relegamiento de su obra en el tiempo, su aporte de carácter nacional y latinoamericano, el concepto de fagocitación, la integración entre la “pulcritud” europea y el “hedor” americano, sus aportes filosóficos más allá de su mirada desde la antropología, el concepto de pueblo y los puchometrajes.
Muoyo se quedó todo el programa con nosotros, integrándose en el segundo tramo a la conversación con Emiliano Colavitta – Docente universitario con experiencia en comunicación en medios, estudiante de la Maestría en Docencia Universitaria en la Universidad Tecnológica Nacional (UTN), locutor, poeta; actualmente trabaja en la digitalización del archivo sonoro de Rodolfo Kusch para el programa “Pensamiento Americano” de la Universidad de Tres de Febrero (UNTREF) (http://www.untref.edu.ar/pensamientoamericano/programa.php) - , quien nos contó sobre dicho proyecto además de referir a lo popular como “lo segregado de la clase media”, el viaje de Kusch a Perú y la reformulación de la idea de fragilidad, lo académico y la educación no formal, el interrogante sobre el hecho de “ser el otro”, el hecho de ensayar una palabra nueva, la “antropología filosófica” y el programa “Pensar en movimiento”. Colavitta recomendó especialmente el texto del filósofo: “Indios, porteños y dioses”. La página de la UNTREF donde hallar directamente el material de Kusch es http://untref.edu.ar/icaatom/index.php/fondo-rodolfo-kusch;isadhace 1 año, 11 meses por LuisFrancCine - 71 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Invisibilizaciónes y luchas"
Tema del día: Pensar el rol de las mujeres en el cine, con eje en las realizadoras. Cámaras de mujeres como posibilidades de lo múltiple. Mujeres y estereotipos. Los mundos de María Luisa Bemberg, Albertina Carri y Lucrecia Martel. La primera realizadora de cine sonoro en Argentina: Vlasta Veh.
Tomando como base el informe sobre mujeres directoras publicado en “Hacerse la crítica”, nos prestan su voz el crítico y editor de la página Gabriel Orqueda, a propósito de su texto sobre el cine de María Luisa Bemberg (https://hacerselacritica.com/informe-mujeres-directoras-maria-luisa-bemberg-por-gabriel-orqueda/), la Licenciada y Profesora en Artes Constanza Grela quien escribe sobre la obra de Albertina Carri (http://hacerselacritica.com/informe-mujeres-directoras-albertina-carri-por-constanza-grela/) y la crítica y ex co-directora de la revista “Pez dorado” Soledad Bianchi quien trabaja el cine de Lucrecia Martel (https://hacerselacritica.com/informe-mujeres-directoras-lucrecia-martel-por-soledad-bianchi/).
Durante el segundo tramo conversamos con la guionista y realizadora audiovisual Candela Vey, quien se encuentra dirigiendo junto a Tino Pereira el documental “Vlasta, el recuerdo no es eterno” sobre Vlasta Lah, primera directora de cine sonoro en Argentina cuyos dos largometrajes - “Las furias” (1960) y “Las modelos” (1963) – se encuentran disponibles en Youtube. Además de trazar una semblanza sobre la directora, Vey nos actualizó sobre el tratamiento de las mujeres en el trabajo de Lah para finalmente referir a su propio trabajo sobre la autora, actualmente en proceso.hace 2 años, 5 meses por LuisFrancCine - 86 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc.
Co conducción: Sofía Checchi.
Editorial: “Percepciones del conurbano, de las más extendidas periferias locales”
El programa comienza con una semblanza sobre directores – Thomas Vintenberg, Lucrecia Martel - que piensan variadas formas de periferias con sus cámaras. La idea central del programa es pensar la periferia como concepto.
A tal fin conversamos con Raúl Perrone – destacado director argentino con cerca de setenta películas en su haber, oriundo del barrio de Ituzaingó donde no solo vive sino que lo elige como locación central de sus producciones en las que suele investigar con la cámara sobre los excluidos del sistema en sus devenires erráticos, filmando con bajo presupuesto como ética propia; también es dibujante y actor -. En ocasión de la salida a la venta de una compilación de textos sobre su obra por la editorial Accatone (@accatone20), se explayó sobre diversos aspectos de su trabajo desde los años noventa hasta la fecha. Contamos con la introducción de la editora Silvina Pachelo (@pachelox) y el aporte de Oscar Cuervo (@laotra21), en relación a ciertos equívocos de la crítica con respecto a la obra de Perrone, su soporte material y las estructuras de relato que utiliza.
Durante el programa, Perrone se explaya sobre cómo se hablaba de los barrios en aquellos primeros tiempos de su obra,- con San Telmo como recurrencia espacial central -, de aquellas terrazas en las que los niños jugaban, en contra el concepto de realismo, sobre las inconducentes brechas entre ficción y documental, los encasillamientos de los actores en determinados roles, sobre el conurbano como moda establecida desde clichés, los prejuicios que suelen esconder ciertos usos de términos como “conurbano”, “minimalismo”, “independiente”, sobre los usos del video y del digital en la actualidad, sobre las recurrencias inconducentes en el cine y en la escritura sobre cine, el uso de fórmulas, en contra del concepto de evolución, la dinámica de sus talleres de realización, sobre los problemas del cine con el advenimiento de las plataformas, el desfasaje entre sonido e imagen como modo estético, el trabajo sobre los cuerpos como epidermis, la decisión ética entre lo que se elige mostrar y lo que no, y contra la idea del casting para la elección de actores.
Autores, películas y series citadas: Lucrecia Martel, Thomas Vintenberg, “El fugitivo” (serie de Roy Huggins – 1963 a 1967) , “Adios al lenguaje”(Jean Luc Godard, 2014).
Películas de Raúl Perrone citadas: Labios de churrasco (1994), Cinco pal peso (1998), Pr1nc3s4 (2021), Sean eternxs (2022).hace 1 año, 9 meses por LuisFrancCine - 15 reproducciones
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Editorial: “El otro y lo mismo, desde el origen del cine”
Tema del día: La construcción del otro en el cine, desde su origen hasta los géneros tradicionales. Como aparece en el documental, en el terror, en el western. El otro como quien “me robó” mi Paraíso.
En el primer tramo del programa contamos con la palabra de Natacha Mell (@natachacine) - realizadora, antropóloga, ex directora de la Escuela de Cine de Avellaneda (IDAC), investigadora del Museo del Cine y redactora de las revistas “24 cuadros” y “Extremo Sur”, coordinadora editorial de la revista internacional de arte y cultura “Voces insurgentes” y participante en diversos espacios espacios radiales sobre cine, como la columna de cine de “Filosofía Rock” en Radio Caput (@filosofiarock) - , quien se encargó de definir la otredad en oposición a la mismidad, además de pensar las principales construcciones de la otredad en el cine, el caso del documental, el tópico del exotismo, los miedos que se construyen desde el cine de terror, el cine de Jorge Preloran como alternativa a la construcción de otro y el caso del cine fronterizo argentino con eje en Lucas Demare y “La guerra gaucha” (1942).
Durante el segundo tramo charlamos con Oscar Cuervo – filósofo, docente, periodista, director de la revista digital La Otra (@laotra21) (https://tallerlaotra.blogspot.com/) y especialista en la filosofía de Soren Kierkegaard, sobre el cuál escribió varios artículos y el texto “Kierkegaard. Una introducción” (Editorial Quadrata) -, con quien abordamos a las construcciones sobre el otro en el cine de géneros norteamericano, en especial en el western. En tal sentido referimos durante la conversación a la película “The taking” (Alexandre O. Philippe, 2021), que deconstruye al western como creador de un espacio ficcional mítico. Luego se avanzó sobre el cine de Clint Eastwood como continuidad de esa tradición, para concluir sobre el cine del israelí Avi Mograbi como apuesta a una forma que denuncia la otredad en su país. Estuvo presente también la reflexión sobre el escaso cuestionamiento a la construcción de otredad en el western por parte de sectores de la cinefilia.hace 2 años, 4 meses por LuisFrancCine - 56 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Latinoamérica: el todo y las identidades"
Tema del día: Pensar Latinoamérica desde su cine. Formas latinoamericanas. Temáticas y estéticas de la periferia. Latinoamérica, entre salas y festivales. La oposición a la mirada eurocéntrica. Modos de presentación de los ámbitos naturales. El Nuevo Cine Latinoamericano de los años sesenta como inflexión. Pensamiento de las imágenes latinoamericanas contemporáneas. Incorporación de nuevas tecnologías.
Entrevistamos a Francisco Álvarez Ríos, realizador ecuatoriano y programador del festival internacional “Cámara Lúcida” (https://www.ecamaralucida.com/). Luego contamos con la palabra del realizador y ensayista Gustavo Galuppo Alives, quien se explayó sobre su texto “Memoria vegetal. Variaciones sobre el (neo)realismo latinoamericano”, aparecido en la última edición de la revista Kilómetro 111 (http://kilometro111cine.com.ar).hace 2 años, 6 meses por LuisFrancCine - 81 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Un sonido que ya pertenece al mundo"
Tema del día: ¿Cómo surge el tango? ¿Cuáles son sus marcas identitarias? El abrazo y el baile en los orígenes. Momentos históricos donde el tango estuvo en problemas: a principios del siglo veinte, en los años treinta y desde el 55 con el advenimiento de “Los jóvenes viejos”. La cultura del tango en la conformación de las imágenes cinematográficas argentinas. La impronta moral. Películas representativas de la temática del tango. Su influencia en la forma de aquellas.
En el primer tramo del programa, contamos con la palabra del Dr. en Ciencias Sociales, investigador y autor de variados estudios sobre filosofía, política y tango Gustavo Varela (@gustavovarelaok) a propósito de su texto “Tango y política. Sexo, moral burguesa y revolución en Argentina” (2016, Ediciones Ariel). El mismo trazó un panorama histórico-cultural del tango desde fines del siglo XIX hasta el período democrático de los años ochenta y el coletazo de la globalización y el neoliberalismo. Durante el segundo tramo charlamos con Adrián Muoyo (@adrianmuoyo) - periodista e investigador sobre tango y de articulaciones entre tango y cine, director de la Biblioteca INCAA – ENERC y redactor en “Hacerse la crítica” - quien se explayó sobre el tango como creación rioplatense, sobre como se expresa a través del cine, y sobre el caso de Carlos Gardel. Finalmente estableció una brecha que se inaugura en 1955, cuando entra en crisis el proyecto de un país soberano y el tango pasa a transformarse en resistencia cultural, expresada también en las ficciones.
Las películas representativas que se mencionan en el programa son “Tango!” (Luis Moglia Barth, 1933), “Puerto nuevo” (Luis César Amadori, Mario Soffici, 1936), “Sur” (Fernando Solanas, 1988) y “Los jóvenes viejos” (Rodolfo Kuhn, 1968) como contradiscurso. Además, se referencian a los textos de Muoyo “La otra dimensión del mito. Gardel y el cine” (https://hacerselacritica.com/la-otra-dimension-del-mito-gardel-y-el-cine-por-adrian-muoyo/) y “Puerto Nuevo (Amadori y Soffici, 1936) en la encrucijada de su tiempo” (http://orillera.undav.edu.ar/puerto-nuevo-amadori-y-soffici-1936-en-la-encrucijada-de-su-tiempo/).hace 2 años, 4 meses por LuisFrancCine - 60 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc. Co conducción: Sofía Checchi.
Editorial: “Desnaturalizar el horror”.
Tema del día: El cine argentino que promueve simbólicamente o explícitamente la antipolítica, contemporáneamente promovida desde el neoliberalismo, sea a partir de la apología, naturalización o relativización de los años más oscuros del país o de la promoción de identificaciones con aspectos individualistas y discriminatorios.
Para aprovechar a fondo estos tópicos, conversamos con José Luis Visconti - Licenciado en Comunicación Social por la UNLP. Periodista, poeta y crítico de cine en “Hacerse la crítica”; autor de los libros “La senda tenebrosa: una aproximación a la imagen de la mujer en el cine argentino entre 1990 y 2007” y “El peligro está en los vivos. Representaciones y omisiones en el cine argentino 1976/1983” -, quien nos adelantó aspectos centrales de su próximo trabajo: “La década perdida: acercamientos a la antipolítica en el cine argentino 2009-2019”. Con él conversamos sobre cómo operan en ciertas películas del citado período la institución del otro como obstáculo, la justificación velada o manifiesta de la represión, torturas y asesinatos durante la dictadura cívico-militar 1976/1983, el borramiento de la historia y la política, los intentos de responsabilizar por igual a organizaciones armadas y aparato de Estado - cargando más las tintas sobre las primeras -, la licencia identificatoria a cometer actos violentos contra el prójimo, la promoción del individualismo y la desaparición de lo colectivo. También se refirió al BAFICI como marco elegido para el lanzamiento y promoción de varias de estas películas, a los cambios en dicho festival a partir de la asunción como jefe de gobierno de Mauricio Macri y reemplazo para la dirección de Fernando Martin Peña por Sergio Wolff y Marcelo Panozzo y al rol en aquellos tiempos de la revista “El Amante”.
Películas citadas: “El hombre de al lado” (Mariano Cohn/Gastón Duprat, 2009), “El ciudadano ilustre” (2016), “Secuestro y muerte” (Rafael Fillipelli, 2010), “El diálogo” (Carolina Azzi/Pablo Racioppi, 2014), “Eva no duerme” (Pablo Agüero, 2015), “Espacio gratuito. Cinco reglas para ganar una elección (Azzi, 2017), “El Olimpo vacío” (Azzi/Racioppi, 2013), “El estudiante” (Santiago Mitre, 2011), “La cordillera” (Mitre, 2017), “Relatos salvajes” (Damian Szifrón, 2014), “Esto no es un golpe” (Sergio Wolff, 2018), “El cuento de las comadrejas” (Juan José Campanella, 2019).hace 1 año, 10 meses por LuisFrancCine - 30 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Tensar la frontera de los géneros”.
Tema del día: De la mirada tradicional en el cine – apoyada en la confirmación y naturalización del mundo heterosexual como "orden natural" – a la apertura a cuerpos como multiplicidad.
En el primer tramo del programa entrevistamos a Marco Berger (@marcobergercine), notable director argentino que trabaja en su obra la percepción del mundo gay - “Plan B” (2009), “Ausente” (2011), “Mariposa” (2015), “Taekwondo” (2016), “Un rubio” (2019) o “Gualeguaychú, el país del carnaval” (2021), entre otras - Marco se dedicó a brindar un amplio panorama de sus búsquedas de cámara, el trabajo con los cuerpos que habitan el cuadro cinematográfico, los tiempos de sus planos y la construcción de los espacios. Sobre el cierre de la entrevista, reflexionó sobre
Luego charlamos con Lucas Martinelli (@lucasmarciane), Dr. en Estudios de Género y Licenciado en Artes por la UBA, investigador en e, tituto Interdisciplinario de Estudios de Género (Univ. De 3 de Febrero), compilador del texto ”Fragmentos de lo queer: arte en América Latina” y autor de “Rondas nocturnas. Sexo, exclusión y extravío en el cine argentino”, de próxima aparición. Lucas trazó un interesante panorama sobre las tradiciones de la imagen cinematográfica, sobre todo del cine argentino, marcando dos momentos clave: los años sesenta y los noventa. Durante la charla analizó películas como “Piel de verano” (Leopoldo Torre Nilson, 1961) y “Los jóvenes viejos” (Rodolfo Kuhn, 1962). Luego de pasar por algunas reflexiones sobre el cine latinoamericano, nos dedicamos a abordar desde que lugares se establece o no el quiebre con las tradiciones en “Las hijas del fuego” (Albertina Carri, 2018) y en la obra de Pedro Almodovar.hace 2 años, 1 mes por LuisFrancCine - 41 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Tiempo y recepción”.
Tema del día: Diversas posibilidades del tiempo en el cine. Desde el más tradicional – tiempo lineal, de ritmo sostenido – hasta otras alternativas de quiebre con dicha costumbre. La forma-género, las posibilidades de apostar a la cadencia en el plano y las alternativas a lo mental.
Antes de meternos de lleno en el tema, entrevistamos a Horacio Mosquera – director del Museo Histórico Nacional del Cabildo y la Revolución de Mayo -, quien nos actualizó sobre el sentido simbólico del museo, las refacciones que se están efectuando, las nuevas políticas de la institución y las actividades que se están llevando a cabo.
Luego continuamos con nuestro tema central con referencias a Henri Bergson y a los dos tomos de Gilles Deleuze sobre cine: “La imagen-movimiento” y “La imagen-tiempo”, invitando luego a participar de la charla a Nicolás Zukerfeld (@nzukerfeld) - director de cine y profesor de la Universidad del Cine (FUC) en Historia del Cine 1, Guión 2 y Documental, miembro del staff de “Revista de Cine”, editado por la misma institución –, quien disparó su participación a partir de la experiencia en sus clases y la referencia al ineludible Alain Resnais. Luego, seguimos abordando el tema central haciendo eje en su última película “No existen 36 maneras de mostrar como un hombre se sube a un caballo” (2020).
hace 2 años por LuisFrancCine - 44 reproducciones
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Editorial: “Del sentido común a la subjetividad”.
Tema del día: ¿Qué es la crítica? Pensar la crítica cinematográfica. Diversas aproximaciones al acto de la crítica. Críticos y espectadores. ¿Cómo abordar un material fílmico? La crítica en el tiempo. Crítica argentina.
En el primer tramo del programa charlamos con Paula Vazquez Prieto (@paulavazquezprieto) – ex redactora de “El Amante – Cine” - redactora en el suplemento Radar de Página/12 y La Nación y editora en “Hacerse la crítica” – quien nos compartió su modo de entender al acto de la crítica además de establecer los periodos centrales de la crítica de cine en las diferentes épocas. Luego pasamos por la diferencia entre crítica especializada y no especializada, las formas de la crítica contemporánea y el hecho del juicio valorativo. Sobre el final, reflexionamos sobre las politicas corporativas en algunos medios de comunicación.
En la segunda parte nos dedicamos a reflexionar sobre lo charlado con Paula durante el primer bloque del programa, tomando como eje los modos de acercamiento a la percepción de una película, de que hablamos cuando nos referimos a la estructura de un material, y lo que el material devela más allá de la misma. En los últimos minutos pensamos en la dificultad entre lo que a cualquier crítico/espectador le pasa con un film, en relación al hecho de que eso se constituya en una crítica.hace 2 años, 1 mes por LuisFrancCine - 46 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Tabula rasa vs. memoria"
Tema del día: Pensar las políticas estatales y privadas sobre conservación de material fílmico. Las películas como preservación de memoria de los pueblos y del cine. La temática en el seno del cine mismo, a partir de una película. Aproximación a una línea de tiempo histórica global y local en relación al tema. El Archivo Gráfico de la Nación como primera experiencia estatal de preservación de material cinematográfico, durante el primer peronismo.
En la primera parte contamos con la palabra del realizador, cineclubista, creador y programador del cineclub Dynamo Carlos Muller (@dynamocineclub), quien toma la problemática en sus manos a través de su documental “La vuelta de San Perón” (2021), donde seguimos su propio itinerario en busca del origen de un cortometraje sin créditos que llegó azarosamente a sus manos, sobre una mujer humilde con diecisiete hijos, quien espera en 1973 la vuelta de Perón de su exilio. Muller se explaya sobre su propia necesidad de hacer algo ese material, aspectos formales de su trabajo y sobre la diferencia entre lo que se dice y lo que se hace desde el Estado con respecto a la conservación.
Durante el segundo tramo conversamos con Laura Gomez (@preser.av)– preservadora y restauradora de material fílmico, investigadora y docente – quien nos actualizó sobre la preservación a nivel global como marco general, y especialmente en Argentina. En tal sentido, especificó sobre la creación del Archivo Gráfico de la Nación – especial momento histórico luego invisibilizado, en que se promovió la cuestión desde el aparato estatal - durante el primer peronismo. Y la relevancia de la Ley 25.119, impulsada por Pino Solanas y sancionada en 1999, la cual precisa hoy una reactualización. También nos contó sobre la importancia y urgencia de políticas en tal sentido, y en qué consiste el trabajo de preservación y restauración. Destacó también el rol de la Cineteca Vida y la Filmoteca Narcisa Hirsch, sitios en donde se destaca su trabajo.
hace 2 años, 5 meses por LuisFrancCine - 45 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Deconstruir la oscuridad”"
Tema del día: Pensar el cine de la dictadura cívico militar argentina 1976/1983. Su sistema simbólico, lo que tienen en común además de sus variados aspectos. El cine pos dictadura y su tendencia realista y discursiva, en paralelo a la conformación de imágenes alternativas, como el cine de Jorge Acha.
Entrevistamos a José Luis Visconti, Licenciado en Comunicación Social por la UNLP. Periodista, poeta y crítico de cine en Hacerse la crítica. Autor de los libros “La senda tenebrosa: una aproximación a la imagen de la mujer en el cine argentino entre 1990 y 2007” y “El peligro está en los vivos. Representaciones y omisiones en el cine argentino 1976/1983”. Con él recorrimos algunos puntos de este último trabajo, como las películas institucionales de Palito Ortega, la picaresca de Porcel y Olmedo, la exaltación de los servicios de inteligencia con la saga de los Superagentes y las publicidades de la época. Además destacó algunos casos a contracorriente, como el cine de Adolfo Aristarain.
Durante el segundo tramo conversamos con Pablo Piedras, Dr. En Filosofía y Letras (Artes combinadas – UBA), adjunto en la cátedra “Historia del cine latinoamericano y argentino”, investigador adjunto del CONICET. Autor de “El cine documental en primera persona” y de sendas compilaciones como la publicación “Jorge Acha, una eztetika sudaka”, donde se encuentra un trabajo suyo titulado “A contracorriente”, sobre la obra de este director. Con el recorrimos los modos en que el primer período democrático se acercó a la temática de la dictadura, por medio de los géneros tradicionales y el espectáculo, en contraposición al tratamiento de los cuerpos del prisionero en una celda y de su torturador con la gran película de Acha, “Habeas corpus” (1987). (la obra de este gran autor se puede visualizar completa en https://jorgeluisacha.wordpress.com/cine/peliculas/).hace 2 años, 5 meses por LuisFrancCine - 47 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Narración y percepción"
Tema del día: ¿Qué es el videoarte? Sus antecedentes. Integración de registros. Mundos comunes entre autores. Formas de percepción. Jerarquía del polo perceptual por sobre lo narrativo. Apogeo y muerte del video, y su actual reemplazo por el digital. El rol del cuerpo.
La idea del programa fue pensar el videoarte en general desde su recorrido en Argentina, y centrándonos en dos artistas emblemáticos. En tal sentido, durante la primera parte charlamos con los críticos Emilia Herrerías Martinez y Federico Bianchetti, sobre su texto en coautoría “Claudio Caldini, el jardinero del cine”, publicado en la revista digital Taipei (@taipeicritica). El texto completo sobre la obra de este artista central se puede leer aquí: (https://taipeirevista.com/index.php/2021/05/26/claudio-caldini-el-jardinero-del-cine/).
Durante el segundo tramo contamos con la presencia de Graciela Taquini (@taquinigraciela), pionera en el campo del videoarte argentino desde 1984 y docente media, universitaria y de posgrado, con un recorrido de más de treinta años en organismos culturales del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. La misma estableció un recorrido del videoarte en perspectiva histórica, refirió a su experiencia propia en el terreno, los nexos con otras tendencias contemporáneas – como las instalaciones -, la dimensión de la memoria como especial preocupación en su obra, y el papel del cuerpo. También presentó la agrupación de cineastas experimentales que integra, AREA (https://www.areaexperimental.com.ar/). La página de Taquini es http://www.gracielataquini.info/
hace 2 años, 5 meses por LuisFrancCine - 48 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “De espectáculos y Sueños”.
Tema del día: La herencia teatral del musical. La promoción de una ilusión. La creación de un mundo tan artificioso como verosímil. Praxis del musical. Componentes perceptuales a partir de la sonoridad y la organización de la puesta en escena de un musical.
En el primer tramo del programa conversamos con Agustina Buchbinder (@agusbuch) - Licenciada y Profesora en Letras por la UBA; docente de Lengua y Literatura en nivel medio e investigadora en teoría literaria y literatura española; crítica en Revista Encuadra (@revistaencuadra) donde dictó en Julio de 2021 el curso “Un gigantesco sueño: ideas sobre el musical”, y estudiante de comedia musical -. Con ella abordamos aspectos como el musical clásico del Hollywood de los años cincuenta, los juegos con el absurdo, la idea del verosímil que incluye un artificio expreso, el quiebre planteado en los sesenta y setenta con casos como “Wes side story” (Robert Wise, Jerome Robbins, 1961) u “All that jazz” (Bob Fosse, 1979), el caso en los ochenta de “Little shop of horrors” (Frank Oz, 1986) y el concepto deleuziano de “sueño implicado” para pensar este género.
En el segundo tramo tuvimos la presencia de Augusto Sinopolli (@augusto.sinopoli) – Licenciado en Dirección Orquestal (UCA) e integrante de la Compañía Teatral Old Tempest (@oldtempest) a punto de estrenar su séptimo trabajo -. Con él conversamos del modo de estructurar un musical, de la incorporación al mismo de la danza, del canto, de los momentos de interrupción o de baja de la intensidad en medio del mismo espectáculo, de los aspectos que debe tener en cuenta un director de orquesta, del rol central de la voz y sus diversas posibilidades (como la voz en relación al canto, a la actuación, a los diferentes estados emocionales como los momentos meditativos, al uso de los leitmotiv en momentos específicos), de los modos de aparición de la ópera en el cine y los peligros en ciertos usos de tal género.hace 1 año, 11 meses por LuisFrancCine - 18 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc. Co conducción: Sofía Checchi.
Editorial: “Contra la naturaleza”.
Tema del día: Fronteras, tensiones y multiplicidades del cuerpo. El cuerpo universal como atentatorio a la tensión. Mundos queer. La recepción de lo queer.
Esta emisión se propone como extensión del Programa 22 (“Cine y diversidad sexual”), para centrarnos sobre todo en los mundos queer. Para ello, contamos con la presencia de Goyo Anchou (@goyoanchou) – director recibido en la Universidad del Cine (1991-1995); entre su producción se cuentan trabajos como “Safo” (2003), “La peli de Batato” (2011), “Heterofobia” (2015) y “El triunfo de Sodoma” (2020) - . El primer tramo de la charla se centra en reflexiones sobre la ausencia en Argentina de políticas estatales para la preservación de material cinematográfico. Luego Anchou se refiere a la figura de Batato Barea como mito, a la recepción de lo queer como acto de creación por parte de les espectadores, de las condiciones y el proceso de producción de “La peli de Batato”, de la gran entrevista a Alejandro Urdapilleta incluida en el filme (el crudo sin editar es imperdible: https://www.youtube.com/watch?v=YiZnst9NAAY). En el segundo tramo del programa nos dedicamos a pensar “El triunfo de Sodoma” (aquí, un texto sobre la película: https://hacerselacritica.com/20o-doc-buenos-aires-el-triunfo-de-sodoma-tensar-la-cuerda-normativa-por-luis-franc/). El director nos cuenta su trabajo de varios años para la concepción del material, nos narra la captación documental del momento inaugural de la película en el Encuentro Nacional de Mujeres en Mar Del Plata, la utilización en el material del slogan “Muerte al macho” como concepto, la pregunta sobre el arte que atraviesa el trabajo, las posibilidades de recepción del mismo y el juego que establece con las vanguardias artísticas de principios del siglo XX.
En dos tramos del programa contamos también con la palabra de Enzo Monzón (https://www.enzomonzon.com/enzo) (@nzomonzon_audiovisuales) – realizador audiovisual rosarino, actual residente en Barcelona, entre sus trabajos se cuentan los cortometrajes “Radioactiva” (2017), “El drak de Miuka” (2018) y el largometraje “Reina hormona” (2021) – quien nos aporta sobre sus diferencias con el cine de Marco Berger, el rol del cuerpo, la diferencia entre lo trans y lo queer, lo no binario, el drag queen, la apertura del mundo LGTB hacia lo cinematográfico en modo extendido, los embarazos masculinos y sus trabajos a modo de homenaje sobre la figura de Pedro Almodovar. Nos ejemplificó su exposición con algunos de sus trabajos.hace 1 año, 8 meses por LuisFrancCine - 23 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Después de los invitados”
Dicha emisión se propone como punto de inflexión luego de las resonancias que dejaron los diferentes invitados de los programas previos. Luis Franc y a Sofía Checchi se encargan de pensar en un mano a mano los vínculos entre pensamiento y cine. En tal sentido, los puntos abordados son: el pensamiento como lo que se sustrae a la reflexión, ¿qué es el cine?: una pregunta que no demanda respuesta, el caso de Andre Bazin, sobre pensar filosóficamente el cine, el aporte invaluable de Gilles Deleuze a contracorriente de Bazin, el cine no existe, cine y percepción, el pensamiento de Henri Bergson, pensar las imágenes que dan a percibir el movimiento, la ilusión burguesa de vencer a la muerte como misión encomendada al cine, contra el lenguaje cinematográfico, contra la interpretación, contra la identificación, contra el “gusto personal” en el cine, contra la representación, el Modo de Representación Institucional (MRI), el cine de géneros como aparato de Estado del cine, los clichés instituidos del cine, la demanda de los mismos por parte de sectores del público, hábitos de los espectadores, las tradiciones del mirar, los agujeros narrativos, el hábito como cerrazón y como posibilidad, aceptar las zonas de incomodidad y el hallazgo de aspectos inefables en el cine todo – hasta en los modos más clásicos -.
Autores citados: Eadweard Muybridge, Michael Haneke, Jean Luc Godard, Francis Ford Coppola, Ernesto Baca, Paulo Pécora, Vittorio De Sica y Lucrecia Martel.hace 1 año, 11 meses por LuisFrancCine - 21 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Formas del espacio"
Tema del día: Diferentes alternativas del tratamiento espacial en el cine. El espacio como problema originario. Espacios clásicos que contextualizan los cuerpos en acción. Espacios vacíos. Espacios independientes de aquellos cuerpos. El espacio mítico. La subjetividad de los personajes constituyendo los espacios. El rol del sonido en la concepción del espacio. El tiempo como factor ineludible a la hora de pensar el espacio. Los casos de Michelángelo Antonioni, Lucrecia Martel, Martín Rejtman, Chantal Akerman y Alfred Hitchcock.
En el primer tramo del programa, contamos con la palabra del Dr. en Historia y Teoría de las Artes, Licenciado en Artes Combinadas y docente (UBA), Mariano Veliz (@marianosveliz), quien se explayó sobre el espacio como problema, los cuerpos en los espacios clásicos y modernos, el tratamiento del espacio en la dicotomía campo/ciudad y sobre la ciudad como territorio insurreccional en las formas latinoamericanas.
Durante el segundo tramo charlamos con el director paraguayo Hugo Gimenez, quien cuenta en su producción con dos valiosas obras: el documental “Fuera de campo” (2014) y su última película de carácter narrativo “Matar a un muerto” (2019), en coproducción con Argentina, sobre la que nos centramos casi toda la conversación. (https://hacerselacritica.com/matar-a-un-muerto-de-entre-los-muertos-por-luis-franc/). En tal sentido, el director se explayó sobre el universo mítico desde el que un personaje organiza del espacio, la dimensión del registro sonoro que construye una naturaleza que envuelve los cuerpos, y del pensamiento de la cámara sobre Latinoamérica.hace 2 años, 4 meses por LuisFrancCine - 36 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Programa urgente”.
Tema del día: El conflicto en el INCAA, la gestión Puenzo, la importancia del sostenimiento del Fondo de Fomento Cinematográfico, el rol de las plataformas y la espectativa ante la nueva conducción del Instituto.
En el primer tramo del programa entrevistamos a Hugo Castro Fau (@hugocastrofau) – abogado, docente, productor, director de la productora independiente “Lagarto films”, con la que produjo recordados éxitos en televisión, productor ejecutivo de películas como “El bonaerense” y “Familia rodante” (Trapero) y “Geminis” (Carri), jurado en varias oportunidades del comité de evaluación de proyectos del INCAA y asesor en dos oportunidades durante el presente año de su consejo asesor - quien se encargó de clarificar la importancia del Fondo de Fomento, el sentido simbólico del cine y el audiovisual, la creación de sentidos comunes a través de las imágenes, el mercado cinematográfico argentino como oligopólico, el rol fundamental durante el kirchnerismo de la Ley de Cine y de Servicios de Comunicación Audiovisual, la importancia de los tratados internacionales, la necesidad de una regulación de las plataformas, el cine como generador de puestos de trabajo y el proyecto del diputado Pablo Carro (Fdt).
Luego charlamos con Andrea Testa (@andytesta17)) – directora de películas como “La larga noche de Francisco Sanctis” (codirigida con Francisco Marquez), “Pibe chorro” y “Niña mamá”, socia fundadora de la productora “Pensar con las manos” (@pensarconlasmanosok) e integrante del Colectivo de Cineastas (@colectivocine) – que se refirió al rol de dicho colectivo, a los pasos institucionales para realizar una película, al centralismo de la CABA y sus alrededores en la producción de contenidos (que encuentra su contrapartida en la ausencia de políticas federales), a la hegemonía masculina blanca en la industria y a la falta de respuestas por parte de la gestión Puenzo.hace 2 años por LuisFrancCine - 23 reproducciones
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Idea y conducción: Luis Franc. Con la participación de Sofía Checchi.
Editorial: “Un lenguaje relegado”
Tema del día: Condiciones de producción de una historieta. Sus vínculos con el cine. Traslaciones de historietas a la pantalla. Especificidad de cada lenguaje. Surgimiento del cine casi simultáneo al surgimiento de la historieta. El cine y la historieta como industrias. La figura del superhéroe. Referentes centrales de la historieta argentina.
Durante el programa aprovechamos el tema en una charla con Gerardo Martinez (@milangapop) - productor y redactor, Licenciado en Ciencias de la Comunicación (UBA) con orientación en Opinión Pública y Publicidad; creador de la serie web “Mondiolas” y crítico de cine en “Hacerse la crítica”, “Revistas Varla” y “Silencio”. Anteriormente se desempeñó en Disney Channel, Vostu, Vix y McFly Studios, entre otros medios y empresas audiovisuales -. Con él recorrimos el tema en relación al momento en que el cine se plantea como industria, a diferencia de la historieta, que ya surge como industria de entrada; los comienzos de la historieta en vínculo con el folletín; la historieta de autor; la base ético-moral de los superhéroes; el hecho de la repetición planteada por Umberto Eco; la grieta ideológica entre Dante Quinterno y Hector G. Oesterheld.
Obras mencionadas durante el programa: Historietas: “El chico amarillo” (The yellow kid) de Richard F. Outcault (1895-1898); “Ásterix” de René Goscini/Albert Uderzo; “Las aventuras de Tintin” de Hergé; “Súperman” de Jerry Siegel y Joe Shuster; “Andanzas de Patoruzú” de Dante Quinterno; “Las aventuras de Hijitus” de Manuel García Ferré; “El eternauta” de Hector G. Oesterheld/Francisco Solano Lopez y la versión de Alberto Brescia. Textos: “Como se hace un comic” de Scott Mccloud; “Apocalípticos e integrados” de Umberto Eco; “Martín Fierro” de José Hernandez; el semanario satírico “El mosquito” (1863-1893); la revista “Caras y Caretas”; . Películas: “Cítizen Kane” de Orson Welles (1941); “Drácula” de Tod Browning (1930); “Don Fulgencio” y “Avivato” de Enrique Cahen Salaberry, “Fúlmine” de Luis Bayon Herrera; “What if” (serie) de A.C. Bradley; “Martín Fierro” de Norman Ruiz/Liliana Romero (ilustraciones de Roberto Fontanarrosa); “Nazareno Cruz y el lobo” de Leonardo Favio.hace 1 año, 11 meses por LuisFrancCine - 20 reproducciones
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